En tant que entrepreneur.e, votre travail ne se limite pas à la création. Vous gérez aussi la comptabilité, la communication, la mise à jour de votre boutique en ligne, le service client… Des tâches qui peuvent vite occuper jusqu’à 80 % de votre temps !

Dans cet article, je vous explique comment définir un prix juste qui couvre toutes vos dépenses, vous permet de dégager un revenu et assure la croissance de votre activité. Ce guide en 6 étapes s’adresse particulièrement aux micro-entreprises, où chaque dépense compte, au vu de l’imposition sur le chiffre d’affaires sans déduction des charges.

Pour vous aider à fixer vos tarifs, vous pourrez télécharger un tableau de calcul automatique en fin d’article. Il reprend tous les éléments abordés ici et vous offre une vue d’ensemble pour répartir vos coûts équitablement dans le prix de vos créations.

Prêt.e à poser des bases solides pour des prix rentables ? C’est parti !

1. Identifiez vos charges

La première étape pour définir un prix juste et rentable est de calculer tous les frais nécessaires au bon fonctionnement de votre activité. Cela inclut les charges fixes, les charges variables et éventuellement les frais de port. 

• Les charges fixes : ce sont les dépenses qui restent constantes, quel que soit votre volume de production. Elles incluent le loyer, l’électricité, l’abonnement téléphonique, internet, l’assurance, la carte ambulant…
Pour calculer vos charges fixes, estimez chacune de vos dépenses mensuelles (ou divisez un montant annuel par 12). Si vous utilisez une partie de votre domicile, calculez au prorata, ce que vous consommez dans cet espace dédié.
Par exemple avec un loyer de 800€ pour 70m², le coût au m² est de 11,43€ (800 ÷ 70). Pour un atelier de 9m², cela équivaut à 102,87€ de loyer par mois (9 x 11,43). 

• Les charges variables : ces dépenses fluctuent en fonction de votre activité. Elles comprennent ce qui est de l’ordre du consommable (cartouches d’encre, supports de com’…), mais aussi le matériel et les outils que vous utilisez dans votre atelier ou pour vos stands (machine à coudre, pinces, présentoirs…).
Ces dépenses sont calculées en estimant leur durée de vie (coût ÷ temps d’utilisation). Par exemple, si vous achetez une machine à 600€ que vous comptez utiliser pendant 4 ans, son coût par mois serait de 12,5€ (600€ ÷ 48 mois). 

• Les frais postaux : vous avez la possibilité de les inclure dans le prix de vente dès le départ ou de les ajouter en supplément pour l’acheteur.
Si vous souhaitez les inclure dans le prix de vente, faites une moyenne de vos frais postaux mensuels et ajoutez ce montant aux frais de fonctionnement.
Attention : si vous les incluez ici, la mention « frais de port offerts » ne peut légalement être utilisée. Et si un client commande plusieurs articles, vous pouvez proposer des tarifs dégressifs ou faire une offre sur une prochaine commande. 

Une fois que vous avez totalisé tous ces frais de fonctionnement mensuels, divisez-les par le nombre de créations que vous devez vendre, pour atteindre votre chiffre d’affaires idéal. Fixer vos prix en fonction du nombre de créations « à vendre » (vs ventes réelles) vous permet de construire une base plus solide pour la rentabilité de votre activité. 

Coût par création = Total des frais mensuels ÷ Nombre de ventes à réaliser par mois

En revanche, si vous n’avez pas encore assez de recul ou si vous avez du mal à estimer ces coûts, partez du principe d’ajouter 10% supplémentaire par création !

2. Calculez le prix de revient de votre création

Pour connaître le prix de revient de vos créations, il est essentiel de calculer chaque élément à l’unité pour obtenir le coût réel par création. Pour cela, il faut inclure toutes les ressources nécessaires à la fabrication de vos produits fait main : 

• Les matières premières : listez chaque élément utilisé dans une création. Par exemple, si vous recevez un sachet de 40 perles à 4€, divisez le prix par le nombre de perles (soit 0,10€ par perle) et notez le coût total en fonction du nombre de perles utilisées dans votre création. 

• Le packaging et l’emballage : de la même manière, calculez les coûts d’emballage à l’unité (écrins, pochettes, enveloppes, carton…) en listant tous les éléments nécessaires par produit. 

• Le temps de travail : il doit couvrir votre temps de fabrication, mais aussi les autres tâches de gestion de votre activité ! Estimez votre tarif horaire autour de 20€, pour garantir la viabilité de votre projet. Et exprimez votre temps en fraction d’heure (0,25 = 15 min) pour simplifier le calcul et obtenir un résultat précis. 

• La sous-traitance : si vous déléguez une partie de votre production, ajoutez-le dans votre calcul de prix de revient. Si vous n’avez pas de prix par création, faites une moyenne en divisant le coût d’une prestation, par le nombre de pièce reçues. 

Prix de revient d’une création = Coûts des matières premières + Coûts d’emballage + (Temps de fabrication x Tarif horaire) + Coûts des frais de fonctionnement

 3. Ajoutez votre marge fabricant

Calculer le prix de revente aux professionnels implique d’ajouter une marge suffisante pour assurer le développement de votre entreprise. Cette marge n’est pas seulement un profit ! 

La marge fabricant est essentielle, car elle constitue une trésorerie qui vous permet de faire face aux imprévus, de financer des dépenses ponctuelles et de donner à votre entreprise la marge de manœuvre nécessaire pour se développer. 

En moyenne, cette marge représente environ 50 à 60 % du prix de revient. En ajoutant cette marge, vous obtenez le prix de revente (le « prix pro »), c’est-à-dire le montant auquel vous proposerez vos créations aux revendeurs et intermédiaires. 

Prix de revente (professionnel) = Prix de revient + Marge fabricant

Pour simplifier le calcul de votre marge, il est préférable d’utiliser un coefficient multiplicateur. 

• La marge est le pourcentage ajouté au prix de revient pour calculer votre prix de revente. 

• Le coefficient multiplicateur, lui, est le chiffre par lequel vous multipliez le prix de revient pour obtenir directement le prix de revente. 

Pour exemple, une marge de 50% correspond à un coefficient de 2, et une marge de 60% à un coefficient de 2,5. 

Prix de revente (professionnel) = Prix de revient x Coefficient multiplicateur

En appliquant ces principes, vous pouvez déterminer un prix de revente équilibré, qui couvrira vos coûts et contribuera à la solidité de votre entreprise créative.

4. Fixez votre prix public

En vendant vos créations à des revendeurs, eux-mêmes ajoutent leur propre marge avant de les proposer aux clients finaux. Cette marge, appelée marge revendeur, représente souvent entre 50% et 60% du prix d’achat. En d’autres termes, les revendeurs appliquent un coefficient multiplicateur de 2 à 2,5 sur le prix auquel vous leur vendez vos produits. 

Si vous faites de la vente en direct ainsi que de la revente aux pros, il est essentiel d’avoir une cohérence tarifaire. Cela veut dire que vos tarifs doivent être les mêmes pour vos clients finaux, peu importe où ils achètent vos créations (en boutique en ligne ou chez un revendeur). 

Même si vous ne travaillez pas encore avec des professionnels, il est important d’intégrer cette marge dès maintenant dans vos prix. Cela vous permet à la fois de prendre en compte les commissions sur vos ventes en ligne (Paypal, carte bleue, marketplaces). Mais également d’anticiper une future collaboration avec des revendeurs sans avoir à augmenter brusquement vos prix publics plus tard. 

En ajoutant cette marge revendeur, vous obtenez votre prix public théorique ! C’est-à-dire le prix auquel les revendeurs et vous-même, aller vendre vos créations aux particuliers. 

Prix de vente public = Prix de revente aux pros + Marge revendeur
ou
Prix de vente public = Prix de revente aux pros x Coefficient multiplicateur

5. Déterminez le prix psychologique

Au-delà de fixer un prix juste qui assure votre rentabilité, faut-il que ce prix soit adapté et perçu comme attractif par vos clients. Le prix psychologique est le montant auquel vos clients sont prêts à payer pour vos créations. Il est étroitement lié à la valeur perçue. 

Pour fixer un prix adapté, vous devez trouver un équilibre entre le prix de vente public théorique (qui prend en compte vos coûts et vos marges) et ce que vos clients perçoivent comme un tarif acceptable et justifié pour vos créations artisanales. 

Prix de vente public théorique < Prix public idéal > Prix psychologique

Vos prix influencent la perception de valeur que vos clients se font de vos créations. Un prix trop bas risque de dévaloriser vos créations, laissant à penser que la qualité est insuffisante. À l’inverse, un prix trop élevé pourrait devenir un frein à l’achat. 

Finalement, le bon prix est celui qui inspire confiance et reflète la qualité, l’unicité et le savoir-faire de votre travail. Il est donc important d’ajuster vos tarifs pour que la valeur perçue corresponde à la valeur réelle de votre travail. 

6. Alignez vos prix sur votre image de marque

Si vos prix influencent la perception de la qualité de vos créations, l’inverse est tout aussi vrai ! Votre image de marque joue un rôle clé dans la valeur perçue de votre travail créatif. Une marque bien définie augmente cette valeur et justifie un tarif plus élevé. 

L’image de marque vient façonner la perception que vos clients se font de vos créations, avant même de connaître leur prix. En construisant une image qui reflète la qualité de votre travail, vous préparez vos clients à voir le prix de vos produits comme naturel. 

Avec cette cohérence entre votre image et vos tarifs, vous gagnez sur plusieurs aspects :  

• Vos prix sont plus facilement acceptés, car ils paraîtront cohérents avec la valeur que vos clients se font de vos créations. 

• Vous attirez les bons clients, prêts à investir dans vos produits, sans perdre de temps à convaincre des personnes moins intéressées. 

Alors n’attendez pas de clarifier votre image de marque ! Cela vous permettra de valoriser vos créations, d’affirmer votre univers et de vous démarquer dans un marché concurrentiel. J’en ai fait le cœur de mon métier pour aider les créatrices et artisanes à attirer les bons clients et à développer leur activité avec sérénité.

7. Téléchargez le tableau de calcul automatisé

Pour vous aider à définir le prix théorique de vos produits fait main, je vous propose de télécharger gratuitement mon tableau automatisé de calcul de prix de vente. 

J’espère que cette méthode vous aidera à calculer des tarifs justes pour vos créations et à poser des bases solides pour pérenniser votre activité artisanale. Pour obtenir une vue d’ensemble de vos calculs, je vous invite à télécharger gratuitement mon tableau automatisé de prix de vente !

Et, si évaluer vos tarifs reste un casse-tête, pensez à vous faire accompagner ! Lors d’une séance de coaching de 2 heures, nous pourrons ajuster vos prix ensemble pour qu’ils reflètent pleinement la qualité de votre travail.

Et en moment et jusqu’au 2 décembre sur Instagram, je vous offre en partenariat avec les Marketplaces Créatives, un coaching sur mesure d’une valeur de 210€ à gagner
• 2 heures de coaching personnalisé pour vous aider à dépasser un blocage ou une problématique spécifique
• Un plan d’action pour avancer sur votre projet
• 30 jours de suivi pour accompagner votre transformation

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En collaboration avec Les Marketplaces Créatives, nous vous avons préparé une sélection d’applications et de logiciels qui vous permettront de sublimer vos photos produits et de réaliser les retouches de base (redimensionnement, recadrage, luminosité…). On a classé les outils de retouches photos en 3 catégories qui ont chacune leurs spécificités : les applications pour smartphones et tablettes, les outils en ligne disponibles sur les navigateurs web et les logiciels à installer sur ordinateur.

1/ LES APPLICATIONS
Il existe de nombreuses applications de retouches photo pour smartphones et tablettes. La plupart des applications proposent des filtres qui permettent de donner une « ambiance » à vos clichés en un seul clic. Toutefois nous vous conseillons d’utiliser ces filtres avec parcimonie pour ne pas trop dénaturer vos photos. Retravaillez plutôt vos visuels avec les outils disponibles sur ces applications : 
• Luminosité
• Contraste 
• Saturation
• Netteté
• Tons clairs
• Ombre 
Ces applications proposent aussi des outils de recadrage et redimensionnement qui vous seront utiles pour adapter vos photos à différents formats (site internet, boutique en ligne, Corner des Créateurs, réseaux sociaux,…)

► Notre sélection d’applications de retouches photo.
Cliquez sur les titres en rose pour accéder aux téléchargement des applications. Les liens dirigent vers l’Apple Store mais vous retrouverez généralement aussi ces applications sur Android.

① PHOTOSHOP EXPRESS (gratuit)
Il s’agit de la version simplifiée et officielle de Photoshop pour smartphones. Vous y retrouverez l’ensemble des outils de base ainsi que quelques pépites bien pratiques. Développée par Adobe, cette application est d’excellente qualité. C’est même notre coup de coeur dans la catégorie
des applications de retouches photos !
• Interface simple d’utilisation
• De nombreux filtres et effet de lumière sont disponibles.
• Il existe un outil de recadrage intéressant qui permet de mettre vos images aux différents formats prédéfinis pour les réseaux sociaux et site connus.
• l’outil « sélection » est très utile. Il permet de sélectionner votre objet ou l’arrière-plan de vos images afin d’y appliquer des réglages. Pratique si vous voulez éclaircir votre arrière-plan ou bien faire un effet de mise au point sur vos créations avec l’outil « flou ».
• L’outil « correction » est puissant et permet de corriger les imperfections ou gommer certains éléments de l’image.
• Des applications supplémentaires peuvent être téléchargées en complément de Photoshop Express. Par exemple : « Découpe dans Photoshop Mix » pour isoler une personne ou un objet.

② LIGHTROOM (gratuit + version premium)
Adobe nous propose ici une version simplifiée de Lightroom, le logiciel phare des photographes professionnels. L’application est de grande qualité et s’avère très facile à utiliser.
• Interface simple d’utilisation
• Des outils performants fournis dans la version gratuite et la version premium
• De nombreux filtres personnalisables de qualité
• Une version payante offre des outils très intéressants pour faire des réglages sélectifs, des corrections précises ou corriger et ajuster la perspective
• L’outil « recadrage » est limité et ne permet pas redimensionner ses photos à des dimensions précises

③ SNAPSEED (gratuit)
Snapseed est une application proposant tous les réglages de base pour vos retouches photos. Quelques outils bien pratiques sont disponibles, notamment pour effectuer des retouches sélectives.
• Interface simple d’utilisation
• Peu de filtres prédéfinis mais vous trouverez des filtres supplémentaires modifiables dans la partie « réglages »
• L’outil « sélectif » et l’outil « pinceau » permettent de retoucher sur une zone précise de votre image. Cette fonctionnnalité est utile, par exemple, pour éclaircir ou assombrir une zone
• L’outil « effet focus » est parfait pour appliquer un effet de flou sur votre arrière-plan et ainsi faire une mise au point sur votre création
• L’outil « correction » est très pratique pour masquer un élément indésirable
• L’outil « recadrage » est limité et ne permet pas redimensionner ses photos à des dimensions précises

④ AFTERLIGHT (Gratuit + version premium)
Simple et efficace, Afterlight vous permettra de retoucher très facilement vos photos.
• Interface simple d’utilisation
• Tous les outils de base pour recadrer et retoucher vos photos
• La version Premium propose de nombreux outils et filtres supplémentaires. En particulier, un outil qui permet de retoucher une zone précise de son image (éclaircir, flouter, assombrir…). À tester dans la version gratuite
• L’outil « recadrage » est limité et et ne permet pas redimensionner ses photos à des dimensions précises
• La palette d’outil est personnalisable, cela permet de classer les éléments les plus utilisés en premier dans la liste et ainsi de gagner du temps

⑤ TOUCHRETOUCH (Payant)
Contrairement aux autres applications présentées ici, TouchRetouch ne permet pas d’appliquer de filtres ou de faire des retouches basiques. TouchRetouch est un outil performant qui a pour fonction d’effacer certains éléments de vos photos ou corriger certains défauts d’une image. Cette application sera très utile en complément d’un outil de retouche photo classique pour supprimer certains éléments indésirables sur vos photos en seulement quelques clics.

2/ LES OUTILS DE RETOUCHE EN LIGNE
Ces outils aux fonctionnalités proches des logiciels traditionnels permettent de retoucher directement vos photos depuis un navigateur web (comme Chrome ou Firefox). Souvent très complets, ces outils en ligne vous seront utiles pour corriger et embellir vos photos. Ils disposent également de toutes les fonctionnalités de base : recadrage, filtre, corrections….

⑥ FOTOR (gratuit + version premium)
Fotor est un outil en ligne très pratique pour retoucher et recadrer ses photos. Très simple d’utilisation, vous pourrez facilement mettre vos images aux bons formats et réaliser des retouches de base. 
• Interface très simple
• Possibilité de recadrage personnalisé et précis
• Nombreux filtres disponibles
• Possibilité d’ajouter des éléments graphiques (texte, illustrations…)
• Possibilité de faire des mises en page pour vos supports de communication (flyer, bannière…)

⑦ PHOTOPEA (gratuit)
Photopea est la réplique (presque) identique de Photoshop. Même interface, mêmes outils de base, un système de calque… On s’y croirait ! Il faudra donc être familier de Photoshop ou acquérir quelques connaissances de base pour s’en servir et s’adapter aux nombreuses options proposées. 
• Logiciel en ligne performant et précis
• L’ensemble des outils nécessaires pour la retouche et le recadrage des photos sont présents
• L’interface peut sembler compliquée au premier abord
• Possibilité d’importer des fichiers venant d’autres logiciels : .psd, .XD…

⑧ ILOVEIMG (gratuit)
Iloveimg est une suite d’outils en ligne avec laquelle vous pourrez qui propose d’éditer rapidement vos photos. Il est surtout pratique pour certains réglages qui ne sont pas souvent proposés par les autres applications :
• Possibilité de compresser ses photos afin qu’elles soient moins lourdes
• Possibilité de recadrer et redimensionner ses images au pixel près
• Possibilité de convertir ses photos dans un autre format (ex : .jpg vers .png ou .gif
• Possibilité d’ajouter un filigrane sur ses photos


3/ LES LOGICIELS DE RETOUCHE PHOTO
Parmi les logiciels de retouches photo, on citera l’incontournable Photoshop qui règne en mettre sur le marché depuis trois décennies et dont la qualité et les performances ne sont plus à prouver. Il en existe d’autres moins connus qui offrent aussi de belles fonctionnalités à un moindre coût que nous vous présenterons ici.
Les options et les outils de ces logiciels sont nombreux, puissants et très sophistiqués pour certains offrant des possibilités de création quasiment infinies. Ceci dit, il ne vous sera nécessaire de maîtriser l’ensemble des fonctionnalités pour obtenir des résultats satisfaisants. Avec quelques outils de base, vous pourrez déjà faire des merveilles.
Une grande quantité de tutoriels sont mis à disposition sur les sites officiels ou sur YouTube pour apprendre à utiliser ces logiciels et en explorer les possibilités.

⑨ PHOTOSHOP (payant)
Photoshop est LE logiciel de retouche photo par excellence. C’est le logiciel historique des professionnels de l’image, des photographes et des graphistes. Très complet, il couvrira l’ensemble de vos besoins en retouches de photos produit : composition, luminosité, contraste, recadrage, correction sélective des couleurs…. De fait de sa grande popularité, vous trouverez très facilement des tutoriels en ligne quelque soit le type d’effet recherché sur Photoshop.
• Très complet. Possibilités de création et retouche quasiment infinies.
• Grand nombre de tutoriels en ligne disponibles.
• Interface et apprentissage complexe. Une utilisation poussée de Photoshop requiert un certain apprentissage et une longue pratique.

⑩ LIGHTROOM (payant)
Lightroom est aujourd’hui le logiciel de retouche des photographes professionnels. Il permet entre autres d’ajuster l’éclairage et de régler de nombreux paramètres sur vos photos. Tout comme Photoshop, c’est un outil complexe qui vous demandera de la patience et de la persévérance pour le maîtriser. Avec Ligthtroom vous pourrez de faire de belles retouches «artistiques» mais il sera moins pratique pour les retouches «techniques» contrairement à Photoshop (recadrage, sélection, suppression d’éléments…).
• Outils de retouche photos très performants
• Populaire. Grand nombre de tutoriels en ligne disponibles
• Interface et apprentissage complexe. Une utilisation poussée de Lightroom requiert un certain apprentissage et une longue pratique

⑪ AFFINITY (payant)
Affinity constitue une alternative intéressante à Photoshop. De la mise en page, au recadrage en passant par les réglages standards, Affinity vous offre un ensemble d’outils performants. Une version d’essai est disponible sur le site pour tester le logiciel. 
• Un prix attractif
• Un ensemble d’outils performants pour la retouche photo
• Très complet
• Interface et apprentissage complexes pour les débutants

⑫ RAWTHERAPE (gratuit)
Rawtherape est un logiciel de retouche photo intéressant. Gratuit, il sera parfait pour aborder la retouche photo professionnelle et découvrir un ensemble d’outils très performants. Comme pour Lightroom, il ne sera pas possible d’y faire des retouches «techniques» (sélection, recadrage, mise en page…). Il vous faudra si besoin dans ce cas vous orienter vers des logiciels comme Photoshop ou Affinity.
• Des outils performants
• Idéal pour commencer la retouche photo professionnelle
• Interface et apprentissage complexe qui requiert une phase d’apprentissage pour une bonne prise en main.

⑬ GIMP (gratuit)
Gimp est un logiciel open source populaire dans le monde entier. Il comporte une large palette d’outils, des réglages à la création. Vous trouverez sur internet des tutoriels qui vous aideront à le prendre en main.
• Très complet
• Open source
• Grande communauté d’utilisateurs qui enrichissent et font évoluer le logiciel

4/ POUR ALLER PLUS LOIN
Pour aller plus loin dans votre quête de la photo parfaite, nous vous conseillons des outils comme Luminar en complément des logiciels de retouches.

⑭ LUMINAR (payant)
Doté de la technologie IA, il réalise des ajustements et des corrections complexes de façon quasi-automatique et qui auraient nécessité un long temps de travail sur Photoshop.
Il peut être installé comme plugin dans Photoshop et Lightroom ou il peut s’utiliser seul.

Au terme de cette sélection d’applications et retouches photos, nous souhaitons vous rappeler l’importance de la prise de vue et vous invitons à consulter l’article sur les bases de la photo. Car le meilleur des logiciels ne pourra sauver une photo de mauvaise qualité.

Vous avez maintenant les clés pour créer de belles photos produits ! Avec de la pratique, vous serez assez rapidement capable d’améliorer vos visuels et vous constaterez à terme un impact positif sur vos ventes.

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1. Soyez naturels et partagez vos coulisses pour fédérer vos abonnés

Les gens ont envie de connaître qui se cache derrière les marques, qui fabriquent les produits qu’ils achètent. Le meilleur moyen pour fédérer une communauté autour de sa marque est donc d’être soi-même, de rester naturelle. De cette manière, vos abonnés auront davantage envie d’apprendre à vous connaître et resteront plus longtemps à vos côtés. Voici quelques petites pistes pour assumer qui vous êtes avec votre communauté.

Vous pouvez par exemple, utiliser le pronom “Tu” lorsque vous écrivez à vos clients ou lorsque vous leur parlez sur les réseaux sociaux. 

Je vous conseille aussi d’assumer que vous êtes toute seule dans votre entreprise. Cela ne sert à rien d’essayer de parler d’équipe à la manière de grandes marques si vous êtes finalement seule à gérer votre activité artisanale. Si vous n’êtes pas seule alors communiquez et montrez les visages derrière votre entreprise. 

Vous pouvez aussi partager les coulisses de votre vie d’entrepreneur créative, montrer comment vous concevez vos produits, comment vous emballez vos commandes… Partagez les moments de vie de votre entreprise, faites entrer votre communauté dans l’intimité de votre atelier !

2. Créez un lien de proximité pour engager votre communauté

Vos relations sur les réseaux sociaux fonctionnent comme dans la vraie vie, si vous vous intéressez vraiment aux personnes avec qui vous échangez, alors elles s’intéressent à vous en retour. 

Soyez curieux, allez découvrir qui sont vos abonnés, qui se cache derrière votre communauté (peu importe sa taille). Demandez-leur ce qu’ils aiment, ce qu’ils veulent, ce qu’ils attendent, ce qu’ils soutiennent … Allez à la recherche des informations qui vous permettront de vraiment apprendre à découvrir qui ils sont, quelles sont leurs valeurs, quelle est leur personnalité ? 

Pour fédérer une communauté engagée, il faut aussi distinguer les “followers” des membres actifs de votre communauté. Ainsi, vous pourrez donner de l’information exclusive réservée uniquement à vos membres actifs et renforcer le lien que vous créez avec eux.

3. Demandez l’avis de votre communauté

Vous voulez des personnes engagées à vos côtés ? Montrez l’exemple et engagez-vous d’abord à leurs côtés ! Soyez transparents, sur ce que vous fabriquez, comment vous concevez vos produits, avec quels matériaux, sur vos délais d’expédition, etc. Si vous respectez vos valeurs et vos engagements alors votre communauté vous le rendra. 

Vous pouvez aussi engager votre communauté pendant la création de vos produits en leur demandant leur avis par exemple sur vos prototypes. Une fois vos produits disponibles à la vente, vous pouvez sonder vos abonnés et leur demander leur avis sur vos nouveaux produits. 

Si votre univers tourne autour d’un thème que ce soit par exemple, la petite enfance, le steampunk ou encore la nature, demandez leur des informations liées à votre centre d’intérêt commun. Demandez quelles autres marques ils peuvent suivre sur cette thématique ?  Quels sont les livres ou films qu’ils recommandent sur ce thème ? Quels sont les blogueurs qu’ils aiment suivre sur cette thématique ? Cela vous permettra de faire connaissance et d’avoir des échanges variés, légers et sympathiques avec votre communauté. 

Lorsqu’une commande a été passée et envoyée, vous pouvez aussi vérifier quelques jours plus tard si celle-ci est bien arrivée et si votre création a plu. Montrez à votre communauté que leurs avis comptent à vos yeux.

4. Utilisez le phénomène de rareté

Les personnes qui achètent des produits fait-main le font parce qu’ils souhaitent adopter des créations uniques, qu’ils ne retrouveront pas partout. Ils recherchent donc l’unicité et la singularité des produits qu’ils adoptent. 

Plus vos produits auront quelque chose d’inaccessible, plus cela leur donnera envie d’en adopter. Le fait d’être attiré par ce qui est rare est un comportement Humain tout à fait naturel et ancré dans notre génétique. Une fois que vous avez conscience de ce phénomène, vous pouvez donc utiliser cette information pour trouver quel peut être le côté « inaccessible » de vos produits. 

Il est tout à fait possible par exemple de vendre vos créations avec des stocks très limités, de faire des exemplaires uniques, de vendre uniquement pendant des ventes éphémères ou encore d’augmenter le prix de vos créations. À vous de trouver un moyen intelligent pour que vos abonnés aient une envie folle d’adopter vos créations et se transforment donc en clients.

5. Proposez régulièrement de la nouveauté pour fidéliser votre communauté

Pourquoi vouloir de nouveaux clients constamment quand on peut fidéliser ceux que l’on a déjà ? 

C’est important de continuer à développer votre entreprise créative en allant chercher de nouveaux clients régulièrement, mais il est également très important de fidéliser ceux que vous avez déjà. Vous allez ainsi optimiser votre dépense d’énergie et vous commencerez à créer cette fameuse communauté fidèle et engagée que vous cherchez à construire. 

Pour cela, il faut que vous proposiez régulièrement de la nouveauté à vos clients. Cela ne sert à rien de proposer de nouveaux produits toutes les semaines, cela pourrait même vous desservir (phénomène de rareté). À vous de trouver votre rythme de création. Celui qui vous permettra d’être à l’aise dans votre business, d’avoir de l’inspiration et d’assouvir en même temps le besoin de nouveautés de votre communauté. 

6. Chouchouter vos clients fidèles

Vous devez chou-chou-ter vos clients ! Toujours avec cet objectif en tête de fidélisation, vous devez prendre soin d’eux et leur montrer qu’ils comptent.

Vous n’êtes pas une entreprise du CAC 40, vous êtes une créative passionnée et probablement seule dans votre micro-entreprise. Chaque client compte, et chaque client fait la différence à votre échelle, alors faites-le-leur savoir ! 

Vos clients achètent vos produits pour ce qu’ils sont, parce qu’ils les aiment, mais ils achètent vos créations aussi pour vous soutenir en tant que créatrice. 

N’hésitez pas à leur envoyer de petits messages personnalisés, à leur glisser des petits cadeaux dans vos commandes … Faites en sorte qu’ils comprennent l’importance de leur soutien et l’impact positif qu’il a pour vous et votre entreprise. 

J’espère que ces conseils vous donneront des idées de choses à mettre en place dès maintenant ! En écoutant tous ces conseils vous allez construire et fédérer petit à petit votre communauté de clients fidèles. Le temps sera votre allié ! 

Pour découvrir tous mes conseils, je vous invite à me suivre sur Instagram et pour aller plus loin, vous pouvez rejoindre l’Artisane Académie : mon programme de formation pour construire une communauté et vendre ses créations artisanales en ligne. 

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Le partenariat avec un influenceur peut être un tremplin pour le créateur qui souhaite gagner en visibilité. Pour se faire, il est primordial que le créateur identifie ses besoins, la cible à atteindre afin de trouver le partenaire adéquat visant l’audience recherchée. Une fois l’influenceur identifié, il faudra cadrer le partenariat à venir.  

En général, l’influenceur bénéficie d’un contrat commercial rémunéré par de l’argent ou par la remise d’un produit ou d’un code promo. Il convient d’apporter une attention particulière à la rédaction de ce contrat afin de se prémunir d’éventuels litiges. 

Afin de vous assurer un partenariat serein, nous verrons dans un premier temps les règles de bonnes pratiques. Nous aborderons ensuite les difficultés pouvant être rencontrées et les moyens d’y remédier.  

I. LES BONNES PRATIQUES DE PARTENARIAT

Afin de s’assurer que le partenariat se déroulera dans de bonnes conditions, hormis l’importance du choix de l’influenceur, il est essentiel de fixer par écrit les conditions régissant le partenariat. 

Votre contrat de partenariat peut contenir les éléments suivants : 
● Le contenu sponsorisé : sur quoi porte la promotion, votre marque, n nouveau produit ou service, 

● Le format du contenu : il faut prévoir quel contenu sera créé (format), s’il s’agit d’une promotion sur un évènement ou sur une publication, 

● La fréquence de publication : il faut préciser si c’est un évènement ponctuel ou qui est amené à se répéter et à quelle fréquence  

● L’exclusivité : vous devez veiller à ce que l’influenceur choisi ne fasse que la promotion de votre produit et non la promotion du produit de votre concurrent en même temps que la vôtre,  

● La durée de la promotion : il est essentiel de prévoir la durée de votre collaboration et la durée de la clause d’exclusivité, le cas échéant. Notons qu’il est possible de prévoir une durée renouvelable. 

● Le propriétaire du contenu crée  : En principe, le contenu appartient à son créateur, c’est-à-dire l’influenceur. Cependant, une clause du contrat de partenariat peut prévoir que le contenu créé sera la propriété de l’entreprise, 

● Le support de communication utilisé : le contrat devra expressément prévoir sur quelles plateformes la promotion de votre entreprise aura lieu, 

● La gratification : La gratification peut prendre plusieurs formes : un paiement, un pourcentage sur les ventes ou une combinaison de ses options, il peut aussi prévoir une gratification en nature c’est-à-dire par la remise d’un cadeau. Il est important de prévoir les dates de paiement, 

● Les pénalités en cas de non-réalisation : c’est là que vous prévoyez les sanctions en cas de non-réalisation du contenu du contrat. Ce pourra être en l’occurence la facturation de la création fournie en échange d’une visibilité si l’influenceur ne réaliserait pas sa part du contrat,

● Les obligations du créateur : par exemple, l’entreprise peut s’engager à l’égard de l’influenceur à ne pas s’immiscer dans la création du contenu promotionnel, 

● Les obligations de l’influenceur  : nous conseillons de prévoir les lignes directrices de votre collaboration (interdictions de citer une marque concurrente, de tenir des propos injurieux sur votre marque, 

● La conformité à la loi  : le contrat doit viser la loi applicable, au besoin et les mentions obligatoires du contenu créé. Ainsi, vous permettez à l’influenceur et à l’entreprise de se prémunir de toute poursuite pour non-respect des dispositions légales relatives aux contenus multimédias sponsorisés. 

Notons également que l’ARPP a publié des recommandations concernant la publicité digitale, en particulier les règles de bonne conduite en cas de partenariat influenceurs.

 II. LES DIFFICULTES RENCONTREES LORS DE PARTENARIATS ET LES MOYENS D’Y REMEDIER

Comme dans toute relation professionnelle, des difficultés peuvent être rencontrées dans le cadre d’un partenariat avec un influenceur. Nous pouvons distinguer deux types de partenariats : 

1.Le partenariat rémunération contre visibilité 

Cette rémunération peut prendre plusieurs formes. Il peut s’agir d’une rétribution financière ou de cadeaux, codes promotionnels accordés à l’influenceur.  

Comme indiqué dans la précédente partie, il est essentiel de prévoir les conditions de rémunération et la prestation en échange. C’est ce qui vous garanti de pouvoir agir en cas de non-respect par l’autre partie de ses obligations. Cependant, il sera toujours possible de se servir des différents échanges eu avec l’influenceur pour agir en cas de difficultés. 

Un tel partenariat peut s’assimiler à un contrat classique de prestation de services. Ainsi, si l’influenceur ne respecte pas ses engagements, le droit commun des contrats de vente pourra s’appliquer. 

La première étape si l’influenceur ne réalise pas son travail de promotion, est d’adresser un écrit, sous toute forme, afin de vérifier s’il ne s’agit pas d’un simple empêchement. L’objectif, ici, de maintenir, le plus longtemps possible, une relation cordiale avec l’influenceur. 

A défaut de réponse sérieuse, la deuxième étape est d’adresser, à l’influenceur, une mise en demeure d’exécuter ses prestations. Cette mise en demeure doit impérativement être adressée par lettre recommandée avec accusé de réception. Ce courrier doit également prévoir un délai raisonnable pour l’exécution de la prestation. 

Il est en général possible d’adresser jusqu’à trois mises en demeure. Au-delà, cela pourrait être assimilé à du harcèlement. 

En l’absence de réponse aux mises en demeure, vous être en droit d’intenter une action en justice pour non-exécution des obligations contractuelles.  

La juridiction saisie dépendra de l’importance des sommes en jeu et du statut de chacune des parties. Notons que des aides existent pour une procédure en justice (aide juridictionnelle, protection juridique). Par ailleurs, en cas de gain de cause, vos frais de justice seront remboursés par la partie perdante. 

2. Le partenariat d’échange de visibilité

Ici, il s’agit pour les parties de s’accorder pour que chacune communique sur l’activité, les produits, le compte de l’autre. 

La difficulté d’un tel partenariat est de déterminer avec précision les obligations de chacun et les résultats attendus. Par conséquent, il sera moins aisé de prouver le non-respect de ses obligations par l’autre partie.  

Comme pour le partenariat contre rémunération, l’échange de visibilité entre dans le cadre du droit commun des contrats. Il s’agira plutôt, en l’espèce, d’un contrat d’échange de prestations de service. 

La procédure à défaut de respect de ses obligations par l’influenceur reste la même que pour le partenariat contre rémunération : 

● Un premier écrit afin d’informer l’autre partie de l’inexécution de ses obligations et d’en connaitre les raisons, 
● Une à trois mises en demeure, par lettre recommandée avec accusé de réception, d’exécuter ses obligations dans un délai raisonnable. Ce délai doit être stipulé dans le courrier et il convient d’indiquer qu’à défaut d’exécution, des poursuites sont envisagées, 
● Un recours en justice pour inexécution du contrat devant la juridiction compétente. 

La différence résidera dans les moyens de preuve à apporter, la détermination de l’étendu des obligations de l’influenceur ainsi que de l’évaluation du dommage subi. D’où, là encore, l’importance d’un écrit très détaillé qui précise l’étendu du contrat de partenariat. 

Pour toute information complémentaire, vous pouvez me contacter par Instagram ou par mail (lahlouh.avocat@gmail.com)

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2/ Qu’est-ce qu’une identité visuelle?

L’identité visuelle fait partie intégrante de l’identité de marque, elle regroupe tous les éléments graphiques qui vont permettre de vous identifier au premier coup d’œil. Ce sont ces visuels qui vont transmettre le « message voulu » à vos clients.

Mais attention, avoir une identité visuelle ne signifie pas seulement avoir un logo. Un logo seul aura très peu d’impact s’il n’est pas accompagné d’une palette de couleurs, de typographies, de motifs ou de tout autre éléments qui rendront votre marque reconnaissable.
Que ce soit sur les réseaux sociaux, vos supports de communication ou encore les packagings de vos produits, cette identité visuelle doit être cohérente. Signe de professionnalisme et donc de sécurité pour vos clients.
Un client, pour acheter un produit ou un service, doit se sentir en sécurité. Si votre identité de marque n’est pas bien définie et semble bancale aux yeux de vos potentiels clients, cela ne leur donnera pas confiance et ils partiront sans rien acheter. Il est alors important de bien réaliser votre identité visuelle pour qu’elle soit en accord avec l’image de marque que vous souhaitez transmettre. C’est un gros travail de préparation, mais sur le long terme vous économiserez du temps, de l’argent et de l’énergie.

3/ Comment concevoir son identité de marque ?

La création d’une identité de marque prend en compte plusieurs facteurs, voici les principaux :

– Vos valeurs
Votre identité de marque doit représenter vos valeurs et celle de l’entreprise. Par exemple : marque éthique, pièces uniques…
Cela passe aussi par vos motivations et vos objectifs : qu’elles ont étaient les motivations qui vous ont données envie de créer votre entreprise ?
Ces raisons font partie intégrante de votre marque. Par exemple : une volonté de préserver la planète avec des produits plus sains, ou utiliser des matériaux recyclables pour préserver l’environnement….
Tout cela constitue vos valeurs et vos objectifs et donc votre message.

– Votre cible
Vous devez déterminer précisément à qui sont destinés vos produits.
Il est conseillé de créer une personna, c’est-à-dire un profil type de votre client idéal : âge, sexe, passion, intérêts, zone géographique….
C’est un exercice complexe mais utile. Car vous verrez qu’il sera encore plus simple de communiquer avec vos clients une fois cette cible définie et le client serra rassuré dans un environnement qui a été conçu pour lui.

– Vos concurrents
Il est important de se démarquer de la concurrence. Inutile de faire comme le voisin et de se retrouver noyé dans la masse. Imaginez-vous sur un marché de créateur, si vous avez tous le même stand, les mêmes packagings, qu’est ce qui va donner envie à votre client de venir vous voir vous ?
Il est donc important de faire un vrai travail de fond et de bien mettre en valeur ce qui vous démarque par rapport à vos concurrents : vos points forts, vos valeurs, un concept original…

– Les codes graphiques liés à votre activité
Tous les domaines d’activité ont des codes graphiques qui leur sont propres. Il est important de les prendre en compte. Ensuite, vient le choix de les utiliser ou au contraire de s’en détacher pour mieux se démarquer, mais attention à ce que cela reste cohérent.

Tous ces éléments réunis constituent une stratégie de marque qui vont permettre de constituer une identité visuelle à fort impact. C’est-à-dire, qu’au-delà d’un « joli » logo, vous obtenez une identité visuelle qui parle directement à votre clientèle cible en l’attirant avec des codes graphiques adaptés.
Il s’agit ni plus ni moins, d’une stratégie marketing.

4/ La réalisation de votre identité visuelle

Une fois tous ces éléments réunis, vous aurez les clés en mains pour réaliser votre identité visuelle en accord avec votre stratégie :

– Logo
– Palette de couleur
– Typographies
– Photographies
– Motifs
– Packaging
– Support de communication
– Visuels réseaux sociaux
– Enseigne
– …

Si vous ne vous en sentez pas capable, je vous conseille grandement de faire appel à un graphiste dont c’est la spécialité. Celui-ci, d’ailleurs, vous demandera ou vous aidera à constituer cette stratégie en amont avant des passer à la phase créative.
Gardez bien en tête que c’est une facette de votre activité à ne pas négliger : l’image est la première chose que votre client voit, c’est la première idée qu’il se fait de vous et c’est ce qui le fait rester sur votre site ou votre stand. 

5/ Conclusion

Vous voilà avec de bonnes bases pour construire votre identité de marque. Finalement, lorsque on prend le sujet point par point et de façon organisée, on visualise mieux les objectifs à atteindre.
En résumé, pour booster vos ventes, il vous faut : une identité de marque composée d’une identité visuelle cohérente, constante, qui vous représente, vous, votre entreprise, vos valeurs, qui s’adresse à une clientèle cible et qui se démarque de la concurrence. 

Une fois tous ces éléments réunis, il vous sera encore plus facile de communiquer autour de votre marque puisque vous aurez tous les bons outils en mains pour le faire.

Si vous souhaitez mettre en place votre identité de marque, vous pouvez faire appel à mes services et me contacter par mail ou sur Instagram.

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Je vois le modèle financier comme un ensemble d’éléments qui s’articulent entre eux pour créer (ou non) de la valeur. Il évolue bien sûr dans le temps, en fonction de vos envies et des opportunités que vous rencontrez. Concrètement, c’est un fichier Excel, qui vous permet de faire varier tous les éléments que vous pouvez changer (coût des matières premières, canaux de distribution, prix de vente, etc…) et qui calcule automatiquement l’impact de vos décisions sur votre rentabilité et vos revenus. 

Bien le connaître vous permet de prendre du recul et de faire des choix stratégiques éclairés. Votre modèle financier, c’est votre rêve traduit en fichier Excel !

Voici une approche simple, en quatre étapes, pour vous aider à réfléchir au modèle financier de votre boutique créative.

Imaginez votre chiffre d’affaire comme un fleuve où l’eau s’écoule, tranquillement et régulièrement. C’est l’argent qui entre dans vos caisses quand vous vendez vos créations. Mais tout ce flux ne finit pas directement en rémunération pour vous, il doit servir aussi à irriguer différents éléments de votre projet : la production, la vente et le développement. Votre fleuve se rétrécit petit à petit, à chaque embranchement, et ce qu’il vous reste en rémunération sera peut-être une rivière ou un ruisseau. 

L’enjeu du travail sur votre modèle financier, c’est de déterminer la taille et la composition de votre fleuve et la taille et la destination de chacun des trois embranchements dont nous allons parler dans cet article.

Je vais vous expliquer cela avec deux exemples : 

Marine a 32 ans et elle créé des bijoux. Ce qu’elle adore, c’est apprendre de nouvelles techniques pour que ses bijoux soient toujours plus perfectionnés. Elle aime découvrir de nouvelles matières et apprendre à les travailler. Elle est plus à l’aise seule dans son atelier ou devant son ordinateur que dans un marché bondé.

Sophia, elle, a 43 ans et elle fabrique des savons. Elle maîtrise très bien sa technique et ce qu’elle aime, c’est fabriquer des fournées de savons parfumés, comme sa grand-mère lui a enseigné, et aller à la rencontre des clients dans les marchés du coin.

1/ La production

Le premier embranchement qui ponctionne votre fleuve, c’est la production en elle-même. Pour créer, vous utilisez des outils (qui restent après la production), des matières premières (qui sont consommées pendant la production) et des services (électricité, eau ou le loyer d’un atelier par exemple).

Je vous propose de vous poser les questions suivantes :

• Utilisez-vous des matières premières relativement chères ou peu chères ?
• Avez-vous besoin d’outils, de matériel ou de services simples ou complexes ?
• Pouvez-vous produire en grande quantité ou en petite quantité ?

La clé pour déterminer ce niveau de votre modèle financier, c’est d’être au clair sur vos coûts de production et votre capacité de production.

Marine, par exemple, utilise des matières premières très chères et du matériel toujours à la pointe de la technologie. Elle produit des petites séries, car elle passe beaucoup de temps à fabriquer ses bijoux, en utilisant des techniques complexes.  

Sophia, elle, utilise des matières premières locales et abordables, et le même matériel depuis des années. Elle produit de grandes quantités de savons. 

Ce qui continue de couler dans votre fleuve une fois vos matières premières, votre matériel et vos services payés, c’est la marge de production.

2/ La vente

Le second embranchement sert à financer la vente de vos créations. Pour vendre vos produits, vous devez faire de la publicité (en ligne ou hors ligne), payer des commissions (à des plateformes par exemple), payer des emplacements dans des marchés, vous déplacer, acheter des matériaux d’emballage si vous vendez à distance.

Je vous propose de vous poser les questions suivantes :

• Est-ce facile d’envoyer vos créations ?
• Souhaitez-vous vendre en ligne, dans des événements, à des boutiques ?
• Quelle stratégie de communication est la plus adaptée à votre projet ?

Marine vend ses bijoux sur son site Internet et à des boutiques de luxe. Elle paie de la publicité en ligne et est très présente sur les réseaux sociaux. Elle paie occasionnellement les services d’un photographe pour mettre en valeur ses créations.

Sophia vend sur les marchés et les événements locaux, elle paie des adhésions à des associations et groupements d’artisans et les emplacements sur les marchés. Elle a également des frais d’essence. Elle se fait connaître grâce à des partenariats avec d’autres créateurs et elle fait imprimer des flyers et des cartes de visite.

Ce qu’il vous reste une fois l’argent consacré à vos frais de ventes retiré de votre marge de production, c’est une marge brute. 

3/ Le développement 

Le dernier embranchement sur lequel vous avez une influence, c’est le développement de votre projet. Vous avez sûrement des idées pour le futur de votre boutique créative. C’est peut-être une formation pour affiner vos compétences ou alors l’achat de nouvelles machines pour diversifier votre gamme de produits, ou tout simplement renouveler votre matériel. Il s’agit de préparer le futur proche et lointain de votre projet en intégrant dans votre modèle un montant à mettre de côté régulièrement.

Je vous propose de vous poser les questions suivantes :

• Comment voyez-vous votre boutique dans 2 ans ?
• Avez-vous besoin de nouveaux outils pour atteindre votre objectif ?
• Avez-vous besoin de nouvelles compétences pour atteindre votre objectif ?

Marine rêve de suivre une formation très spécifique qui lui permettrait de se spécialiser dans une technique peu connue en France. Cette technique nécessiterait l’achat d’un outil aux Etats-Unis.

Sophia voudrait renouveler son équipement et en profiter pour augmenter sa capacité de production, ce qui lui permettrait de produire plus, ou alors de passer moins de temps pour produire la même quantité de savons.

Une fois ces frais de développement pris en compte, ce qu’il vous reste c’est votre résultat avant impôts. Vous avez ensuite vos charges et impôts à payer, sur lesquels vous n’avez que très peu d’influence. On arrive enfin à ce qu’il vous reste à la fin : votre rémunération. 

C’est le moment maintenant de revenir au début de l’histoire et de vous pencher sur la taille du fleuve du début.

4/ Le chiffre d’affaire

Le fleuve initial est composé des quantités vendues et de vos prix de vente. En prenant en compte votre capacité de production, il reste à fixer vos prix de vente.

Je vous propose de vous poser les questions suivantes :

• De quel prix (bas, moyen, haut) avez-vous besoin pour que le modèle défini jusqu’à présent soit rentable ?
• Est-ce qu’il y a des clients qui paieraient ce prix pour votre produit ?
• Quels éléments ajuster pour que votre modèle financier vous ressemble, soit adapté au marché et rentable ?

Vous l’aurez sûrement deviné, les prix de vente de Marine sont parmi les plus hauts du marché, alors que ceux de Sophia sont dans la moyenne basse.

Tous ces éléments sont inter-connectés et l’idée est d’ajuster chacun d’entre eux pour trouver un modèle qui vous ressemble et qui vous rapporte de l’argent ! 

Si vous voulez approfondir le sujet, vous pouvez découvrir les outils et formations en lignes que je propose aux créatrices ou faire appel à mes services pour un accompagnement individuel.

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Un accord amiable peut éviter de porter l’affaire devant une juridiction. Cependant, si les négociations échouent, le juge pourra être saisi et rendra une décision afin de mettre fin définitivement au litige.

1/ Le règlement à l’amiable du litige

Lorsqu’un litige survient avec le dépositaire, dans un premier temps, il est préférable de rechercher un accord à l’amiable. La première réaction à avoir est d’adresser, à la partie défaillante, un courrier recommandé avec accusé de réception. Celui-ci doit préciser les difficultés rencontrées et permettre à l’autre partie, dans un délai précis (8 à 15 jours), soit d’expliquer sa défaillance, soit d’exécuter ses obligations contractuelles.

Deux demandes spécifiques peuvent être faites en cas de difficultés d’exécution du contrat par l’une des parties :

→ L’exécution forcée :

La partie défaillante pourra être mise en demeure de poursuivre l’exécution en nature sauf si celle-ci n’est pas possible ou s’il y a disproportion manifeste entre son coût et son intérêt pour les parties.

Il est aussi possible de se voir reconnaitre le droit d’exécuter soi-même l’obligation, après mise en demeure et dans un délai et un coût raisonnable.

Cette sanction est bien envisageable en matière de contrat de dépôt-vente même si dans la pratique elle est difficile à mettre en œuvre.

→ La réduction du prix :

Après mise en demeure, la partie qui demande l’exécution du contrat peut accepter une exécution dite « imparfaite » du contrat et demander une réduction proportionnelle du prix.

Dans le cas d’un contrat de dépôt-vente, nous pourrions envisager une réduction de la commission si le dépositaire n’a pas respecté ses obligations de mise en avant de la marchandise qui lui a été confiée…

Vous pouvez adresser jusqu’à trois courriers, en général, afin de permettre un règlement amiable du litige avec le dépositaire. Cette solution peut être prévue par le contrat de dépôt-vente.

A ce stade, le litige peut prendre fin, si ce n’est pas le cas, l’intervention d’un juge sera nécessaire.

2/ Le règlement par le juge du litige

Si aucune alternative n’a été trouvée entre le déposant et le dépositaire, il conviendra de saisir la justice.

En cas de litige autour du contrat de dépôt-vente, les sanctions sont propres au droit commun des contrats. Il n’y a pas de dispositions spécifiques à ce contrat.

Les sanctions sont les suivantes :

→ La résolution pour inexécution du contrat :

Si l’une des parties n’a pas respecté ses obligations, comme disposer les marchandises conformément à ce qui avait été prévu entre les parties…, la résolution peut être demandée en justice par la partie non défaillante. La conséquence est alors la fin du contrat de dépôt-vente.

Les prestations déjà échangées ne sont restituées qui elles ne trouvent plus d’utilité que par l’exécution complète du contrat. Pour le contrat de dépôt vente, les marchandises vendues restent bien évidemment vendues, seules les marchandises toujours à disposition du dépositaire sont restituées au déposant

→ L’annulation du contrat de dépôt-vente pour vice du consentement :

Dans ce cas, l’une des parties fait une présentation trompeuse en cachant des éléments importants à l’autre partie déterminant le choix de s’engager ou pas. Il peut s’agit, notamment, d’un mensonge sur les moyens qui seront mis en œuvre pour la vente des marchandises.

Ici l’annulation du contrat entraine inexistence rétroactive du contrat de dépôt-vente.

→ L’exécution forcée :

Tout comme pour le recours à l’amiable, il sera possible de demander au juge une exécution forcée du contrat de dépôt-vente, même si dans la pratique cela reste assez rare. Cette possibilité demeure envisageable pour la demande de restitution des marchandises confiées au dépositaire.

Ainsi plusieurs sanctions sont envisageables en cas de non exécution d’un contrat de dépôt-vente. Ces sanctions visent à aider à l’exécution du contrat ou y mettre fin.

Des dommages intérêts peuvent, également, être alloués à la partie qui lance l’action. Pour ce faire, il conviendra d’apporter la preuve du préjudice causé par la défaillance de l’autre partie.

Quoiqu’il en soit il est préférable de rechercher dans un premier temps une solution amiable, plus rapide à obtenir et souvent moins coûteuse qu’une procédure en justice.

Pour toute information complémentaire, vous pouvez me contacter par Instagram ou par mail (lahlouh.avocat@gmail.com)

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Bien qu’il n’existe pas de texte législatif propre à ce contrat, certaines règles sont à respecter pour s’assurer d’une exécution sans encombre du contrat.

1/ En quoi consiste le contrat de dépôt-vente ?

Le propriétaire des marchandises (déposant) remet une partie de ses marchandises à un magasin de détail. L’exploitant de ce magasin (dépositaire) reçoit le mandat de les vendre au nom et pour le compte du déposant. Le dépositaire lui reverse le prix des ventes, après retenue d’une commission représentant sa rémunération.

Par ce contrat, le magasin s’engage à consacrer un espace aux marchandises qui lui ont été confiées et à favoriser leur vente au client final. Pendant toute la durée du dépôt, le dépositaire veille à la conservation des biens qui lui sont remis, en souscrivant, par exemple, à une assurance contre les vols.

Lorsqu’une vente intervient, le dépositaire a l’obligation de régler le montant diminué de sa commission au déposant. Ce dernier reste propriétaire des marchandises jusqu’à leur vente au client final. Si aucune vente n’est intervenue au terme du délai prévu au contrat, le déposant récupère ses marchandises ou convient d’une prolongation du contrat avec le dépositaire.

2/ Les clauses à ne pas accepter dans un contrat de dépôt-vente

Par principe, les clauses prévues au contrat de dépôt-vente sont librement négociées entre les parties, du fait de l’absence de réglementation spécifique à la matière. Cependant, ce contrat peut être assimilé à un contrat « d’adhésion », c’est-à-dire que la partie la plus forte économiquement, en général le dépositaire, impose des clauses à l’autre partie, sans possibilité de négociation. Alors, ces clauses ne doivent pas être dites « abusives ».

Certaines clauses ont été identifiées comme telles par la commission des clauses abusives. On y retrouve notamment :

• → Les clauses exonérant de toute responsabilité en cas de dégradation, disparition ou destruction du bien remis,
• → Les clauses faisant peser une partie de sa prime d’assurance sur un consommateur,
• → Les clauses stipulant qu’en l’absence de réclamation sous un certain délai, le dépositaire conserve le prix de la vente ou lui substitue une rémunération sous forme de bon d’achat sans information préalable du déposant …

Si une clause dite « abusive » est présente dans le contrat de dépôt-vente, elle est considérée comme nulle. Cela ne remet pas pour autant en cause la validité du contrat en sa totalité.

3/ Les clauses à prévoir dans un contrat de dépôt-vente

Si aucun texte n’impose un écrit, dans la pratique, un contrat est souvent remis. Celui-ci doit notamment prévoir :

• → Une description des biens remis,
• → Le prix de vente demandé par le déposant,
• → Le montant de la commission du dépositaire,
• → Les conditions de vente,
• → Les frais de transport du bien entre le domicile du déposant et le magasin,
• → Le délai dans lequel le dépositaire verse les sommes perçues au déposant. En général, ce délai est de un à deux mois suivant le paiement par le client final…

Le contrat devra également prévoir la responsabilité des parties en cas de mauvaise exécution du contrat.

A ce titre, le dépositaire a plusieurs obligations :

• → Il doit tenir un livre de police sur lequel sera enregistrée la marchandise en dépôt-vente,
• → Conserver la marchandise,
• → L’exposer pour qu’elle soit vendue,
• → Restituer la marchandise si elle n’est pas vendue,
• → Rendre compte des ventes…

Le déposant, quant à lui, est responsable de la qualité des objets mis en vente.

Le contrat de dépôt-vente reste dans sa forme assez simple et régit par la liberté contractuelle. Je ne peux que vous inciter à y recourir pour toute vente de création, lorsque vous ne disposez pas d’un point de vente en nom propre. L’objectif est, en effet, de cadrer la relation avec le dépositaire et de pouvoir agir plus efficacement en cas de difficulté d’exécution des obligations de chacun.

Pour toute information complémentaire, vous pouvez me contacter par Instagram ou par mail (lahlouh.avocat@gmail.com)

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Après des soirées entières à préparer mon projet jusque tard dans la nuit, j’étais enfin prêt. J’effectuais de la sérigraphie sur produits textiles et mes produits (essentiellement des T-shirts et des sacs) étaient prêt à être commercialisés. Je savais que le plus dur était à venir. En effet, le défi était de vendre suffisamment de produits pour vivre de ma passion. Je ne pense pas me tromper en disant que tous les créateurs sont, à un moment, confrontés à ce même défi. C’est peut être d’ailleurs une de vos problématiques actuelles.

Mes débuts en tant qu’entrepreneur créatif ont été difficiles. Je n’ai réalisé aucune vente les deux premiers mois. C’est ce qui m’a poussé à essayer et mettre en place toutes les techniques et astuces possibles et imaginables pour vendre plus.

Après plusieurs années de tests et d’expériences, je suis en mesure de partager mon top 3 des actions qui ont, le plus contribué à, doper les ventes de mes créations.

Astuce n°1 / Utilisez les partenariats pour décupler votre visibilité

La visibilité de votre marque et de vos produits, est un facteur clé de votre réussite. Le célèbre adage “pour vivre heureux, vivons caché” ne fonctionne pas dans ce contexte. En effet, si personne ne sait que vous existez, vous ne vendrez aucun produit.

Vous avez de la chance, le secteur de l’artisanat est propice à la collaboration. Vous pouvez ainsi créer des petites collections de produits réalisés en duo. On peut parfaitement imaginer un céramiste s’associant à un bijoutier pour une édition limitée de bijoux en céramique. Il est également tout à fait possible de voir travailler ensemble un créateur de meuble en bois et un dessinateur pour la réalisation d’une collection spéciale.

Certaines grandes marques l’ont d’ailleurs expérimenté et si le concept est toujours fortement utilisé, c’est parce qu’il séduit énormément le public visé. En effet, le côté éphémère et inédit de ce type de collaboration, font que c’est souvent un beau succès.

Astuces 2 / Collaborer avec des influenceurs sur Instagram

La première erreur que les créateurs font lorsqu’ils contactent un influenceur, c’est de faire ce que j’appelle “l’attaque frontale”. Le fameux message qui dit “ Salut XXX, je suis Cédric. Je viens de monter ma marque de bijoux et j’aimerais savoir si tu peux la promouvoir en échange d’un produit gratuit”.

C’est d’après moi, la pire approche que vous puissiez faire. Si vous contactez un influenceur connu, sachez que vous n’aurez jamais de réponse avec ce type de message. En effet, ils doivent en recevoir une bonne centaine par jour. De toute façon, je vous suggère de ne pas vous attaquer au gros poisson dès le début.
Commencez avec une personne ayant environ 1000 followers est un bon début. Pourquoi? Parce qu’ils sont souvent peu sollicité et seront flatté que vous les contactiez. L’autre avantage concernant ces “petits influenceurs” vient du fait qu’ils ont souvent une communauté extrêmement engagé. Pour les contacter, allez y en douceur. Voici un exemple d’approche :

1er message: une simple prise de contact

« Salut X, je découvre tout juste ton profil. j’aime beaucoup ce que tu fais. Je me disais que si j’étais à ta place, j’aimerais recevoir des messages d’encouragements donc je me permets de t’en envoyer un. Encore bravo et bonne continuation 😉 »

2ème message : donner avant d’espérer recevoir, soyez altruiste.

« Hello X, petit message parce que je vais vu que tu as posté une nouvelle photo. Elle est vraiment cool, comme d’habitude! Je me suis permis de la reposter en te taguant. Elle méritait d’être partagée. Bye et bonne continuation. »

3ème message : parler d’une collaboration et non d’un service que vous demandez

« Hey X, j’espère que tu vas bien. Je vois que tu avais une réelle expertise concernant instagram vu que tu as 1000 fans. Tu penses qu’il serait possible de collaborer ensemble ? »

Une bonne négociation de votre part peut conduire à un échange de gagnant- gagnant sans contrepartie financière.

Astuces 3 / Créer son propre site internet

Vous vendez vos produits via des marketplaces ? C’est une bonne chose mais veuillez à diversifier vos canaux de distribution.  Ne pas créer votre propre site marchand bride énormément votre potentiel de croissance. Je l’explique d’ailleurs dans cette formation gratuite que je propose : Formation créer son e-commerce.

Voici pourquoi créer son site internet est indispensable :

→ Vous ne dépendrez plus d’une plateforme qui peut fermer
On a pu voir avec A LITTLE MARKET que c’est une mésaventure qui peut arriver du jour au lendemain. DAWANDA a connu le même sort l’année suivante et TICTAIL a suivi également. Il est donc plus que jamais nécessaire, pour un créateur, d’investir dans son propre site internet.

→ Vous ferez des économies
Même si le coût est plus élevé à la création de votre site, cela vous reviendra sur le long terme beaucoup moins cher. En effet, il ne sera plus question de payer des commissions sur la vente de chaque produit.

→ Vous serez propriétaire de votre liste de contacts
En effet, sur les marketplaces, ce ne sont pas VOS clients mais ceux de la plateforme. N’espérez pas repartir avec la liste complète des personnes (noms + email) ayant acheté sur votre boutique. Créer votre propre site de vente vous permet de construire une liste de prospects/clients qui VOUS APPARTIENT et c’est important si vous voulez mener par la suite vos propres actions marketing.

→ Avoir votre propre site internet est un bon investissement sur le long terme
Pourquoi ? Si dans le futur vous décidez d’arrêter votre activité, votre stock restant risque de ne pas intéresser grand monde. À moins que vous le cédiez à un prix ridiculement faible. En revanche, vous risquez d’en intéresser plus d’un si vous possédez un site internet avec une base de client. Voyez donc votre site comme un investissement même si vous n’avez pas l’intention de le revendre.

→ C’est un gage de professionnalisme
Avoir son propre site web fait incontestablement gagner en crédibilité (pour peu que le site soit bien fait). Vous allez pouvoir créer votre propre design, vous créer un univers qui vous correspond et qui vous permet de vous démarquer durablement. 

Pour conclure, je dirai que je ne peux que vous suggérez d’utiliser ces 3 actions simples. Elles m’ont permis une fois mise en place, de doper durablement les ventes de mes créations. Vous trouverez encore plus de conseils pour booster vos ventes dans mon guide gratuit Vendre ses créations !

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Dans cet article, je ne vais pas vous révéler « comment devenir créateur en 3 clics… ». Car au risque de décevoir certaines idées reçues, il n’y a pas de recette instantanée pour parvenir au succès. Mais des formules magiques, il y en a quelques unes !

1/ Ne pas tout miser sur le numérique

Parce que jauger son succès au nombre de « likes » sous une photo peut être trompeur. Il est évident que cela fait extrêmement plaisir d’avoir des retours positifs, voire « d’amour » sur son travail, et les réseaux sociaux sont un excellent moyen de dialoguer avec le public. Mais il ne faut pas perdre de vue que les créations seront portées, vécues, lavées, regardées tous les jours. Donc soigner ses visuels est important, mais peaufiner son produit fini est indispensable ! Les vraies relations, les retours de la part des clients, les échanges avec des confrères sont des baromètres plus fiables quant à la perception de vos créations. Et c’est cela qui vous fera vivre, créativement et matériellement.

2/ S’inspirer, sans décalquer

Certes être créateur ne signifie pas être un démiurge, ne créer à partir de rien.

Mais le fait d’inventer, de réinterpréter à sa propre manière une idée ou une forme est extrêmement gratifiant. Difficile de se démarquer lorsqu’on ne fait que suivre une tendance déjà saturée sur le marché ! On devient créateur car on a quelque chose à dire, à partager. C’est votre singularité qui intéressera votre public. Alors cultivez votre différence !

Ce que l’on te reproche, cultive-le, c’est ce que tu es
Jean Cocteau

3/ Ne restez pas seul

Dans sa démarche de création, il y a un moment où le regard de l’autre devient une nécessité. C’est souvent ce qui fait passer une passion, un hobby, un intérêt personnel, à la volonté de montrer son travail, de l’exposer, et même de le vendre.

Le regard que le public portera sur vos créations dépendra de multiples facteurs et il est indispensable de les mettre en corrélation avec le contenu de votre création. Les échanges sociaux vous donneront un excellent retour sur ce que l’on perçoit de vos productions. Au besoin, faites-vous conseiller, parlez-en à des proches, des collègues et des professionnels. Et posez-vous la question : est-ce que votre univers de marque (visuel, esthétique, discours) est cohérent avec votre message ?

4/ L’univers de création, c’est le cœur de votre identité

Créer, c’est innover, trouver des solutions et faire des propositions nouvelles. Et c’est ça qui fera la différence. Croyez en vous, vous êtes unique !

J’entendais une interview récemment de Jean-Claude Bellanger, le secrétaire général des Compagnons du devoir. Il soulignait très justement que l’artisan fait autant travailler ses mains que sa tête. Les artistes, quant à eux, réalisent de nombreux essais, croquis et maquettes avant d’arriver à une pièce aboutie. À mon sens le travail de recherche ne peut être éludé. Le plaisir de créer se ressent toujours.

Ainsi je vous propose trois axes de travail :
→ Développer sa créativité : en testant, en essayant différents matériaux, en se formant, au besoin en effectuant des stages.
→ Nourrir son univers : en lisant, en effectuant des recherches, en s’intéressant à des domaines connexes qui enrichiront son univers créatif.
→ En apprendre plus sur soi-même : en identifiant ses craintes, ses forces, ses ressources.

Identifier son univers de marque est donc majeur, car vous pourrez capitaliser sur ce que vous avez mis en évidence.

L’artisan fait autant travailler ses mains que sa tête
Jean-Claude Bellanger, Compagnons du Devoir

5/ Le temps est votre allié

Enfin, se dire que la clef du succès est à trois mois de votre début de projet me semble illusoire. Certaines « success stories » peuvent laisser suggérer le contraire, mais il y a en général un énorme travail en amont. La partie immergée de l’iceberg est en réalité le socle indispensable à votre univers. Il est peut-être invisible au premier coup d’œil, mais lorsque l’on vient à gratter sous la surface, on n’est jamais déçu de constater que les fondations sont solides.

Les grandes maisons ont mis du temps à émerger, à se faire reconnaître, et à nouer avec leur clientèle un rapport de confiance. Elles ont construit leur univers au fil du temps, des saisons, des collections. Pour avoir travaillé dans la Mode pendant de nombreuses années, je peux vous confier que les grandes marques se posent toujours la question de savoir si un produit correspond à leur image de marque, à leurs codes, à leur ADN. Certaines idées sont bonnes, mais elles ne seront pas pour vous, il faut savoir opérer des choix afin de conserver de la cohérence dans son univers de marque.

6/ Libérer son potentiel créatif et assumer son identité de marque

En libérant votre potentiel de création, vous vous ouvrirez à vous-même. Vos créations seront le reflet de votre univers et vous aurez plus confiance en vous. En acceptant que cela prenne du temps, vous gagnerez en maturité et en assurance. Misez sur l’avenir grâce à une identité de marque bien construite, qui dure et se développe sur le long terme.

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La bonne nouvelle, c’est qu’avec un peu de patience, et d’attention à certains détails, tout le monde peut arriver à faire des photos correctes, tant les nouvelles technologies ont progressé. L’autre bonne nouvelle, est que la simplicité est souvent la clé !

Dans ce premier article, je vous parle des bases de la photo.

1. Dédramatiser la question du matériel

Évidemment, plus le matériel photo est coûteux, plus la qualité de l’image sera au rendez-vous (c’est un peu pour cette raison que l’on y met le prix!). MAIS ! Le matériel ne fait pas tout. Vous pourriez avoir le dernier reflex haut de gamme tout juste sorti entre les mains, si vous ne savez pas vous en servir, vous réaliserez les pires photos que vous n’avez jamais faites . Alors sauf si vous avez vraiment envie de progresser en photo pour votre plaisir personnel et que vous avez du temps à consacrer à lire le guide d’utilisation en long et en large, je vous conseille vraiment de ne pas vous focalisez sur votre matériel . Rappelez-vous, la simplicité est la clé ! Aujourd’hui avec un smartphone milieu de gamme ou un petit compact, on fait de très belles photos et le rapport qualité prix est beaucoup plus intéressant qu’il y a encore une dizaine d’années. Donc munissez-vous de votre appareil photo et concentrez vous plutôt sur les conditions de prises de vue.

2. La lumière

Je ne vous apprends sans doute rien ici, mais la lumière est la clé de bonnes photos. Cependant il faut apprendre à la doser et à la maîtriser pour obtenir un rendu satisfaisant.

Une photo sous-exposée (trop sombre) est souvent terne, manque énormément de dynamisme et de détails. Les zones blanches sont grises voire bleutées. Les couleurs ne sont pas fidèles à la réalité.

Une photo sur-exposée (trop lumineuse) est souvent trop dure, agresse l’œil et les zones brûlées (les zones tellement lumineuses qu’elles sont uniformément blanches) perdent aussi tous leurs détails.

→ Voici quelques détails auxquels vous devez veillez :

• Pas de lumière directe

Même si l’on cherche de la lumière, il faut savoir la doser ! Ne jamais utiliser une lumière directe sur l’objet à photographier (il sera alors surexposé et perdra en détails). Si vous vous placez à côté d’une fenêtre pour prendre vos photos, utilisez un drap blanc tout simple (mais forcément blanc!) qui diffusera la lumière de manière beaucoup plus douce et homogène sur la scène à photographier.

• Attention aux ombres

Parfois, la lumière est trop dure et provoque des ombres. Ce n’est pas très esthétique et la plupart du temps, on cherche à les éviter (sauf effet d’ombre volontaire et recherché). Pour cela, vous pouvez utiliser un réflecteur, c’est à dire une surface, qui va envoyer de la lumière en direction de l’ombre pour la déboucher. Il peut s’agir d’un petit panneau blanc confectionné par vous même, ou d’un réflecteur trouvé dans le commerce. Attention à ce qu’il ne soit pas trop large car, sauf si vous avez un assistant, il faudra être capable de le tenir en même temps que vous prendrez votre photo.

Que faire si je n’ai pas assez de lumière chez moi ?

Si vous vivez dans un endroit peu lumineux, évidemment il faudra se rapprocher des fenêtres mais cela n’est malheureusement pas toujours suffisant. Vous pouvez également utiliser un réflecteur, vous le placez face à la fenêtre afin de renvoyer davantage de lumière sur votre scène (à la façon d’un miroir).

N’utilisez pas de lumière artificielle car le rendu sera peu esthétique, l’image aura un aspect un peu jaunit, les couleurs ne seront pas jolies et cela se verra immédiatement.

Si vous avez prévu un shooting mais que ce jour là il fait extrêmement sombre, l’idéal est de le reporter à plus tard. Le manque de lumière est souvent difficile à rattraper, et le plus simple est bien souvent de choisir un autre jour, vous aurez de bien meilleurs conditions et au final, votre séance sera beaucoup plus rapide. Vous n’aurez pas à vous arracher les cheveux en retouchant votre photo pour tenter de la rendre plus lumineuse.

Évidemment il existe d’autres astuces plus techniques pour celles qui utilisent un réflex, il n’en sera pas question dans cet article qui s’adresse aux débutants.

3. la netteté

Si publier une photo trop sombre ou trop claire n’est jamais une bonne idée, publier une photo floue est encore plus impardonnable. Cela donnera de vous une image non professionnelle, peu rigoureuse.

→ Voici quelques éléments auxquels vous devez veiller pour avoir une image nette.

• Pas de netteté sans lumière !

En pratiquant la photographie, vous allez très vite comprendre que tout est lié ! Vous vous demandez peut-être parfois pourquoi vos photos sont floues alors que vous n’avez pas bougé ? Il y a de grandes chances pour que cela soit, une fois de plus, un problème de lumière. Lorsque vous êtes dans un endroit trop sombre, la photo ne sera pas nette. Je vous renvoie donc à la première partie de l’article consacrée à la lumière.

• Prendre le temps de faire la mise au point

Lorsque vous prenez une photo, vous visez un point particulier. Même si votre produit est entouré d’autres accessoires à l’occasion d’une mise en scène, vous devez toujours viser VOTRE produit ou votre création. C’est le sujet principal de la photo et il doit être PARFAITEMENT net. Visez donc dans cette direction et attendez que ce soit parfaitement net pour déclencher. Certains appareils vous indiquent par un signal (sonore ou lumineux) que la mise au point a été faite et que vous pouvez prendre photo.

• Stabiliser son appareil

Pour éviter tout flou de bougé, stabilisez bien votre appareil pour qu’il n’y est pas de mouvement lorsque vous déclenchez. Pour cela, prenez votre temps, calez bien l’appareil entre vos mains et tenez le fermement. Une fois que vous avez pris votre photo, attendez 3 secondes pour bouger à nouveau.

• Utiliser un trépied

Pour vous assurez une bonne netteté, l’idéal est d’utiliser un trépied. Vous serez alors à l’abri de tout mouvement. Vous pouvez même éviter d’appuyer vous-même sur le déclencheur (ce qui peut provoquer des vibrations, et plus l’ambiance sera sombre , plus le moindre mouvement sera répercuté et risquera de provoquer un flou) en utilisant le retardateur de votre appareil (en général même les smartphone possèdent un retardateur).

• Contrôler son image

Prenez ensuite bien le temps de regarder votre photo et demandez-vous si votre sujet (votre produit ou votre création) apparaît de façon parfaitement nette. Vous pouvez même zoomer sur la zone de mise au point avec votre appareil photo ou votre smartphone pour une vérification encore plus précise.
Si ce n’est pas le cas, il n’y a pas de secret, il faut refaire votre image ! Le flou ne se rattrape pas en post-traitement.

4. L’angle de vue

Ici, encore une fois, optez pour la simplicité :

• La vue du dessus

Parfait pour les produits n’ayant que peu de volume : papeterie, vêtements non portés, bijoux…

Veillez absolument à ce que votre appareil photo soit parfaitement parallèle au plan à photographier, dans le cas contraire vous risquez de vous retrouver avec des objets déformés.

C’est une solution simple qui permet de bien représenter une scène complète et qui a aussi le mérite d’éviter d’inclure tout élément non voulu dans l’arrière-plan.

• De face

Ici encore, mettez vous parfaitement face à l’objet pour le prendre en photo. Évitez les cadrages entre-deux (un peu penché , en diagonale, un peu vu du dessus mais pas tout à fait) car lorsque ce n’est pas maîtrisé, le rendu n’est souvent pas très heureux.

Avant de déclencher votre appareil, prenez bien le temps de regarder dans votre écran que les différents éléments (en accordant une attention toute particulière à votre produit) se détachent bien les uns des autres et que vous n’avez pas d’élément non désiré dans le champ. C’est un cadrage que l’on va privilégier pour se rendre compte du volume de l’objet.

• Le gros plan

Si votre appareil photo ou votre smartphone le permet, vous pouvez utiliser le mode macro pour faire des photos de détails. Soyez encore plus vigilant sur la netteté !
Ce type de photos est l’idéal pour mettre en valeur les finitions de vos produits.

Je vous propose, pour finir, un petit récapitulatif des points sur lesquels vous devez être vigilant.

Les points essentiels à vérifier :

→ La lumière
– Pas de lumière directe
– Attention aux ombres
– Utiliser un réflecteur si vous manquez de lumière.

→ La netteté
– Toujours faire la mise au point sur votre produit
– Attendre que la mise au point soit faite avant de déclencher
– Stabilisez votre appareil pour éviter tout flou de bougé
– Toujours prendre le temps de contrôler son image une fois la photo faite.

→ Le cadrage
– Quel cadrage correspond le mieux à mon produit ?
– En cas de cadrage vu du dessus, être parfaitement parallèle au plan pour éviter toute déformation.
– En cas de cadrage de face, soyez attentif à tout élément indésirable qui pourrait rentrer dans votre cadrage.
– Pensez aux photos de détails si cela peut représenter un intérêt pour votre produit.

Vous avez envie d’aller plus loin dans l’apprentissage de la photo ? Rejoignez mon groupe privé Facebook crée pour aider les créatrices avec leurs visuels et se motiver à faire des photos.

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J-6 à J-7 |Analyser vos besoins

▪ Faire l’inventaire de son stock afin d’évaluer si la production est suffisante pour l’exposition.

▪ Analyser la fréquentation de l’événement. S’agit-il d’une clientèle touristique, d’amateurs d’art, d’habitants du quartier, de CSP+ ou de petits budgets ? Bien connaître la clientèle du marché vous aidera à choisir mieux sélectionner les gammes de produits que vous présenterez sur votre stand. Pour cela, prenez des renseignements auprès des organisateurs de l’événement et des créateurs qui ont participé aux éditions précédentes.

J-4 à J-3 | Finir vos dernières créations

▪ C’est le moment de finaliser votre stock, d’apporter les dernières retouches ou de créer quelques pièces supplémentaires si le cycle de production de votre activité est court (bijoux fantaisie, couture, tricot, papercut…)

J-2 | Faire une simulation de votre stand

▪ Créer des volumes est essentiel pour être vu par les visiteurs du marché. Eviter donc les stands plats. N’hésitez pas utiliser du matériel de récup. Vous pouvez par exemple créer des niveaux avec des caisses de vin ou habiller votre fond de stand avec une échelle vintage en bois ou un paravent. Les mannequins, portants et porte-manteaux donneront aussi du volume à votre stand.

▪ Un beau nappage uni habillera avec élégance votre stand si vous n’avez pas la chance de posséder un meuble d’exposition fait sur-mesure en bois ou fer forgé. Évitez les imprimés qui nuisent à la visibilité de vos créations et dans une certaine mesure à votre image de marque. De la même façon, les mix de couleurs de nappes sont à éviter.

▪ Les miroirs font parti des indispensables du stand de créateur. La simulation vous permettra de leur trouver une place stratégique et sécurisée sur la table d’exposition.

▪ Créer une petite arrière boutique avec une table d’appoint pour réaliser vos emballages.

▪ Un joli fond de stand attirera l’œil de loin et renforcera la cohérence de votre univers créatif. Vous pouvez habiller votre fond de stand avec des nappes en papier ou recouvrir les grilles de tissu, déplier un rollup, installer une banderole. Et si les créations sont suffisamment volumineuses les exposer en fond de stand.

J-1 | Vérifier les fournitures et les basiques

▪ Préparer le matériel d’emballage : papier de soie, pochettes cadeaux, sacs kraft, ficelles, agrafeuse et cartes de visite.

▪ Rassembler l’éclairage : spots, lampes, led, rallonges, multiprises (évitez les halogènes qui consomment trop d’énergie) + votre chargeur de portable.

▪ Amener sur le lieu d’exposition les pré-requis administratifs, extrait de Kbis ou attestation INSEE et assurance, en cas de contrôle de la DGCCRF. Pensez également à emporter votre carnet de facture et à proposer à votre client l’édition d’une facture à partir de 25 euros de commande.

▪ Préparer un fond de caisse, vérifier les piles de votre terminal CB (si vous en avez un) et emporter des piles de rechange.

▪ Participer à un événement, c’est aussi l’occasion d’étoffer sa base de contacts et de prospects. Pensez au combo : cartes de visites , flyers et carnet pour recueillir les mails.

▪ Les journées sont longues et fatigantes quand on expose sur un marché de créateur. N’oubliez pas de vous assurer un minimum de confort en hiver avec des vêtements bien chauds, des chaufferettes pour les pieds et un thermos de votre boisson chaude préférée. Sur les marchés d’été, pensez à emporter votre crème solaire et à vous hydrater régulièrement…sous un parasol.

Le jour J

Votre stand est fin prêt. Maintenant, c’est à vous de jouer !

▪ Soyez accueillant.e ! Ne vous tenez pas en retrait, assis caché derrière votre stand en train de lire. Essayez de rester debout et d’engager subtilement la conversation avec les personnes qui visitent votre stand.

▪ Essayer de consommer une collation sur place afin de faire connaissance et échanger avec les autres exposants.

▪ Gardez le sourire et ne vous laissez pas déstabiliser par quelques remarques désobligeantes (« Mon neveu de 5 ans m’a fait le même pour mon anniversaire » ; « regarde Martine, j’ai compris comment on fait, je te ferais le même le week-end prochain »). On est presque tout.e.s passé par là. Avec le temps, vous trouverez votre façon d’y répondre.

▪ Pensez lors de la journée à recueillir les mails de vos nouveaux contacts, clients et prospects, et à distribuer vos cartes de visites et flyers de façon ciblée

▪ Au cours de la journée pensez à prendre quelques photos de votre stand. Cela vous servira de base pour l’améliorer lors des prochaines expositions.

Et dernier conseil pour la route, n’oubliez pas que les marchés et salons sont avant tout une belle occasion de rencontrer son public, d’avoir des retours sur ses créations, de rencontrer des créateurs, d’échanger ses bons plans et de se construire un réseau…et passer du bon temps et repartir avec de jolis souvenirs.

Cet article a été co-écrit avec Les Marketplaces Créatives.

© photo Victoria Beadies pendant la Rooftop Party organisée par Ipocamp

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Internet a fêté cette année ses 30 ans. Le web nous a ouvert à un monde de possibilités infinies facilitant nos échanges et nos communications. Dans cette société du numérique, diffuser à un grand nombre de manière instantanée, trouver la robe, le collier de ses rêves n’a jamais été aussi facile.

Les réseaux sociaux sont très vite devenus une vitrine commerciale 2.0. L’on y trouve de la créativité à portée de main, des produits authentiques et originaux, mettant en avant le talent de chacun, surtout dans le milieu des artisans créateurs.

Là où le partage et la publication de contenus se fait plus vite que la lumière, la vigilance doit être accrue.

La diffusion sur les réseaux sociaux comme outil

La créativité se vit, s’exprime et se partage. Fiers de leurs réalisations, après tant d’heures passées à les confectionner, nombreux sont les créateurs qui diffusent sur les réseaux sociaux le fruit de leur talent. Parfois, les réseaux sociaux constituent une première étape avant la commercialisation, afin de tester la réaction des clients. Certains utilisent même Instagram pour déterminer le volume de production en fonction du nombre de like reçus. Si ces nouveaux canaux de communication permettent d’établir un lien fort avec la communauté ciblée, ils exposent les créateurs à un danger réel : la reprise de leur matière créative.

Les dangers possibles

Récemment, l’affaire du styliste Kyo Jino et de la chanteuse Aya Nakamura met en lumière ce problème récurrent. Quelques heures après la sortie de son dernier clip « Pookie », la chanteuse Aya Nakamura est accusée par le styliste Kyo Jino d’avoir volé ses créations pour la direction artistique.

Kyo Jino avait posté sur le réseau social Instagram, un collage qu’il avait réalisé. En réponse, il ne reçut de la part d’Aya Nakamura que ces paroles : « Les idées appartiennent à ceux qui les réalisent #aurevoirMerci ». Une indignation.

Malheureusement, cette affaire ne représente qu’un simple exemple parmi les nombreuses reprises de créations postées sur les réseaux sociaux. Alors que doit-on faire ? Ne plus rien diffuser par risque de se faire dérober son idée, sa création ? Nullement.

D’un point de vue économique, la promotion des créations sur les réseaux est plus qu’essentielle. Artistiquement, la créativité nait du partage et le talent doit se nourrir des échanges.

Puisque la diffusion sur les réseaux sociaux est nécessaire il faut adopter en amont les bons réflexes.

De l’importance de la preuve

Avant toute diffusion de vos œuvres sur les réseaux sociaux, il vous faut vous prémunir de l’atteinte à vos créations en vous ménageant la preuve de la paternité et de l’antériorité sur ces dernières. En d’autres termes, il faut constituer des preuves attestant que votre réalisation est bien la vôtre et lui donner une date certaine. En cas de contentieux ces éléments vous seront utiles.

De plus, votre exploitation commerciale peut vous amener à partager vos créations à des prestataires (conceptualisation d’un prototype, fabrication du modèle, diffusion de vos pièces, …). Même si ces échanges ont souvent lieu dans un cadre de confiance, c’est une bonne chose que de pouvoir garder une preuve de ces partages. Une preuve que votre interlocuteur était en mesure d’avoir eu connaissance de vos créations. Cela aurait peut-être évité certaines déconvenues à Kyo Jino.

Un simple clic suffit pour s’approprier le talent d’un autre. Et si on vous permettait de vous protéger en un clic également ?

Vous pouvez constituer ces preuves par tout moyen. Dans un monde global et dématérialisé, votre temps est précieux, et ces formalités administratives chronophages. Il est alors essentiel de se doter des outils les plus opérants.

Chez IPOCAMP nous avons cerné les besoins des créateurs. Nous avons développé une solution optimisant leur temps et à des prix avantageux, via un outil innovant, en ligne, connecté à la blockchain.

En somme, une solution: rapide, fiable, à faible coût, simple d’utilisation à tout moment et par tous.

La plateforme IPOCAMP vous permet un horodatage de votre création, immédiatement et de manière simplifiée. Par un geste simple, le « Glisser/Déposer», enregistrez en quelques clics vos conceptions sur notre interface.

● Pour chaque dépôt, IPOCAMP délivre un certificat horodaté, qui constitue une preuve de la paternité et de l’antériorité.
● Ce certificat est valable à l’international.
● Un progrès majeur : notre solution permet d’assurer la traçabilité des partages par un accusé de réception en blockchain qui certifie de l’ouverture par toute personne.
● Gravez dans la blockchain le cheminement créatif de votre travail et bénéficiez d’une protection au fil de l’eau sans attendre la version finalisée.

La technologie blockchain vous permet de vous constituer une preuve qui ne s’effacera pas, qui ne peut pas être modifiée, qui ne peut pas être instrumentalisée, et qui ne s’épuisera pas dans le temps. La blockchain permet également une confidentialité totale de vos créations.

Le tout simplement et rapidement, depuis votre ordinateur personnel.

L’utilisation de la plateforme IPOCAMP pour un créateur

Prenons un cas d’usage simple pour illustrer nos propos. La mode obéit à un rythme lui étant propre, avec ses codes, ses canaux de diffusion, ses différents acteurs. Si je souhaite réaliser une nouvelle ligne de sac à main, je suis en mesure de déposer sur IPOCAMP toutes les versions successives de mon projet, de la conceptualisation de mon idée jusqu’au produit finalisé (mes cahiers de tendance, mes planches de dessin, mes patron, les dessins finalisés, les photos de mon sac une fois assemblé).

Ainsi, cela me permet de constituer les preuves de la paternité et de l’antériorité sur mes sacs, et ce, au fil de l’eau de l’avancée de mon projet. Des preuves bien utiles en cas de reprise de mes créations à la suite d’une diffusion sur les réseaux sociaux par exemple.

Lorsque je souhaite partager ma création, à un tiers pour la conceptualisation d’un prototype ou bien la production par exemple, je peux lui transmettre mes patrons via IPO©AMP. Lorsque le prestataire va consulter mon document, cela va générer un accusé de réception, un certificat attestant que cette personne a bien eu connaissance de ma création. Cela permet d’insuffler de la confiance et de valoriser mes créations.

L’élan créatif n’est que trop peu valorisé et protégé. En France, seulement 6.000 dessins et modèles sont déposés chaque année. Un pouls créatif bien bas qui ne représente pas toute la richesse créative française. Notre savoir-faire, notre artisanat sont l’une de nos richesses. Les créations sont une partie de nous-même, un prolongement de nos vies personnelles. Il faut se prémunir de toute appropriation. Si c’est votre mission, notre devoir sera de vous accompagner au mieux. Pour ce faire, nous nous réinventons chaque jour afin de répondre à ces besoins.

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Les recours en contrefaçon peuvent sembler inaccessibles car très coûteux mais cela est sans compter les aides qui peuvent être allouées au demandeur. En effet, il est, notamment, possible de bénéficier d’une aide juridictionnelle afin d’obtenir l’exécution d’une décision de justice. Il est, également, possible de recourir au contrat de protection juridique, dans le cadre des contrats d’assurance. Il ne faut pas non plus oublier que dans le cadre des demandes formulées en justice le remboursement des frais est prévu.

Des outils sont, donc, à la disposition des créateurs afin de garantir le respect de leurs droits de propriété intellectuelle. Dans le cas où ils constateraient un cas possible de contrefaçon, plusieurs étapes sont à suivre.

1/ Phase de constatation de la contrefaçon et mise en demeure du contrefacteur

Avant toute procédure, il est possible d’adresser au contrefacteur présumer une lettre de mise en demeure de cesser les atteintes aux droits de propriété intellectuelle du créateur. En effet, la mise en demeure est une lettre de réclamation adressée dans le cadre d’un litige. Elle demande au destinataire d’accomplir ses obligations dans un délai précis, sous peine d’autres poursuites.

La lettre peut être adressée aussi bien à un professionnel ou qu’à un particulier, et ce quelque soit la nature du litige et des réclamations. Dans tous les cas, il est préférable d’adresser la mise en demeure par lettre recommandée avec accusé de réception (LRAR). Ainsi, l’expéditeur obtiendra confirmation qu’elle est bien parvenue au destinataire.

À l’appui de ces demandes, la mise en demeure doit énoncer les fondements juridiques. La mise en demeure précise également les poursuites judiciaires auxquelles s’expose l’adversaire en cas de refus ou d’absence de réponse. Il est essentiel que la mise en demeure dispose d’un délai précis laissé à ce dernier pour s’exécuter. Ce délai varie, en général, de 8 à 15 jours. Sans réponse satisfaisante de sa part dans le délai imparti, le plaignant pourra envisager de saisir la juridiction compétente en la matière.

La mise en demeure doit contenir les éléments suivants :

● la date de rédaction,
● les coordonnées du destinataire,
● les coordonnées de l’expéditeur,
● un bref exposé du litige décrivant clairement les circonstances qui ont donné naissance au litige,
● la mention « mise en demeure »,
● la réclamation, soit ce que doit effectuer le destinataire afin de régler le litige,
● un délai précis et raisonnable durant lequel le destinataire devra régler le litige, compris en général entre 8 et 15 jours selon la nature du litige,
● la signature de l’expéditeur

A défaut de réponse du contrefacteur, il conviendra de réunir des preuves concrètes de la contrefaçon.

2/Phase de constitution de la preuve de la contrefaçon

Si un cas de contrefaçon est soupçonné, il est d’abord nécessaire, dans un premier temps, de réunir le maximum de preuves de la contrefaçon. Pour ce faire vous pouvez :

● Faire faire un constat sous contrôle d’huissier,
● Rassembler les catalogues, photographies des produits contrefaits,
● Vous pouvez, également, déposer plainte auprès des services de police ou de gendarmerie. Cela permettra de collecter des informations comme l’identité du contrefacteur, le volume de la contrefaçon, les bénéfices tirés de l’exploitation de la contrefaçon… L’ensemble de ces éléments vous permettra d’évaluer les dommages causés,
● Une fois la contrefaçon constatée, vous pouvez également faire procéder à une saisie contrefaçon. Elle s’effectue sur autorisation d’un juge. La marchandise peut être saisie ou, tout au moins des échantillons. Ce procédé permet de prouver efficacement la contrefaçon

Cas particulier de la saisie-contrefaçon

Le propriétaire de la marque ou du modèle ou dessin qui aurait été contrefait doit obtenir, par l’intermédiaire d’un avocat, l’autorisation du tribunal de grande instance de procéder à la saisie-contrefaçon. L’avocat rédige une requête à fin de saisie-contrefaçon ainsi que l’ordonnance correspondante. Les documents sont présentés au juge chargé de l’affaire qui se prononce sur le bien fondé de la demande. Si tel est le cas, le juge tamponne et signe l’ordonnance qui lui est présentée par l’avocat.

L’ordonnance signée est présentée par l’avocat à un huissier qui se charge de la réalisation de la saisie conformément à l’ordonnance. Il procède à la saisie des contrefaçons, prend des copies des documents commerciaux, factures et bons de commande s’y rapportant.

L’huissier dresse un procès-verbal de saisie-contrefaçon qui servira de preuve de la contrefaçon dans le cadre d’une procédure devant le tribunal.

Après la saisie-contrefaçon, le propriétaire de la marque dispose d’un délai de 20 jours ouvrables ou de 30 jours civils, à compter de la signature de l’ordonnance afin d’agir en contrefaçon. A défaut, les opérations de saisie-contrefaçon sont annulés. Le propriétaire ne peut, alors, plus se servir du procès-verbal de l’huissier comme preuve de la contrefaçon.

3/ Phase de saisie du tribunal

Deux types d’action en contrefaçon sont prévues par le droit français : une action au civil et une action au pénal.

1-L’action au civil

Le Tribunal de grande instance a une compétence exclusive en matière de contrefaçon.

Cette action permet d’interdire les actes de contrefaçon et de percevoir des dommages et intérêts en réparation du préjudice subi. Le propriétaire des droits de propriété intellectuelle et industrielle décide de l’engager ou de l’arrêter.

La procédure peut être assez longue, entre 8 et 24 mois, cependant des mesures provisoires peuvent être obtenues comme l’interdiction de poursuivre les actes contrefaits, des provisions sur dommages et intérêts…

Pour se prononcer, le juge va prendre en compte trois éléments :

● Les conséquences économiques négatives de l’atteinte aux droits (marque à gagner et perte),
● Le préjudice moral,
● Les bénéfices réalisés par le contrefacteur, y compris les économies d’investissements intellectuels, matériels et promotionnels.

Notons que l’action civile se prescrit par 5 ans.

2-L’action au pénal

Elle vise à sanctionner le contrefacteur et à rétablir l’ordre public. Elle est intentée devant le Tribunal correctionnel. Cette action permet, également, d’indemniser les préjudices subis. Cette procédure est plutôt recommandée pour les gros volumes de contrefaçon ou pour les cas de contrefaçon issus de réseaux criminels ou dangereux pour la santé des consommateurs.

Notons qu’en parallèle de l’action en contrefaçon, il est également possible d’engager des actions en concurrence déloyale ou en parasitisme.

L’action en concurrence déloyale vise à sanctionner des comportements contraires aux sage normaux du commerce sur le fondement de la responsabilité civile ; en droit de la marque, il s’agit par exemple de la création d’une marque de confusion avec un produit, une marque ou tout autre signe distinctif d’un concurrent.

L’action en parasitisme permet quant à elle est entamée lorsqu’un concurrent s’immisce dans le sillage économique d’un autre, en profitant de ses investissements humains et financiers. 

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1. Vous assurer que vos abonnés sont bien qualifiés

Rien ne sert d’avoir beaucoup d’abonnés s’ils ne sont pas qualifiés. Ne partez pas dans la course folle aux abonnés. Vous devez savoir qui vous voulez attirer sur votre profil Instagram comme abonné mais également comme potentiel client. Cela commence par définir son ou ses avatar(s) ou buyer(s) persona(s) : qui sont-ils ? Que font-ils dans la vie ? Quelles sont leurs passions ? Qui suivent-ils sur Instagram ? Si vos abonnés actuels correspondent à ce profil, alors vous êtes sur la bonne voie. Sinon il va vous falloir corriger le tir.
Si vous avez plus de 1000 abonnés, analysez votre compte avec HypeAuditor pour connaître l’authenticité de votre audience (quel est le pourcentage de comptes suspects et de comptes qui suivent plus de 1500 comptes ?). Si vous en avez moins de 1000, vous pouvez les passer en revue manuellement. L’objectif in fine de cette étude est de bloquer ou supprimer tous les utilisateurs qui sont ouvertement non qualifiés. Je ne le répéterai jamais assez, ce qui compte c’est le nombre d’abonnés qualifiés, pas le nombre d’abonnés total. Pour savoir comment reconnaître un faux abonné, je vous invite à lire ce post sur mon compte Instagram. 

2. Interagir avec vos abonnés au quotidien

La meilleure façon de créer sa communauté sur Instagram est d’interagir avec ses propres abonnés. Quand on est sur Instagram, l’erreur capitale qui est souvent faite par beaucoup est de toujours vouloir plus d’abonnés. De ne regarder que les nouveaux (“Combien ai-je gagné d’abonnés aujourd’hui ?”), de vouloir savoir qui a arrêté de nous suivre (“Je ne comprends pas, j’ai des nouveaux abonnés chaque jour mais mon nombre d’abonnés total n’augmente pas”) et d’oublier ceux qui nous suivent déjà, ceux qui restent abonnés. Or ce sont eux, les déjà abonnés que vous devez choyer.

Pour créer et fédérer votre communauté, vous devez être présent et être en contact en permanence avec elle. Cela veut dire répondre à leurs commentaires et messages privés. Pourquoi ? Pour 2 raisons :

• cela va aider votre compte à être beaucoup plus visible auprès de vos abonnés. L’algorithme d’Instagram met en avant les publications des comptes avec lesquels on interagit le plus. Vous le voyez tous les jours quand vous ouvrez votre application : en premier vous sont affichés des posts de comptes avec lesquels vous interagissez souvent, que ce soit dans votre feed ou dans les pastilles de stories.
• vos abonnés vont s’attacher à vous parce que vous leur répondez. Combien de comptes Instagram de (plus ou moins grandes) marques ne répondent jamais à nos commentaires ? Et quand elles le font, est-ce qu’on ne ressent pas un sentiment plus fort envers elle ?

Mais vous pouvez aller encore plus loin en allant aussi liker et commenter leurs posts. En allant découvrir qui ils sont, ce qu’ils font, ce qu’ils aiment. Vous les connaîtrez davantage et saurez mieux répondre à leurs attentes et besoins. Bien sûr, votre temps est compté et vous ne pouvez pas le passer à visiter les comptes de vos abonnés, surtout si vous en avez beaucoup. Mais vous pouvez profiter d’un like ou d’un commentaire laissé par eux pour aller jeter un oeil sur leurs publications, ne serait-ce que quelques uns par jour, 2 ou 3 c’est mieux que rien, 5 ou 10 par jour c’est mieux que 2. Et cela fera vraiment la différence dans leur perception de vous.

3. Etre à l’écoute de leurs besoins et proposer du contenu que pour eux

Vos créations répondent toujours à un besoin, qu’il soit pratique et/ou esthétique. Vos clients les achètent parce qu’elles répondent à une nécessité. Il doit en être de même pour votre contenu. Vous créez du contenu afin qu’il ait une résonnance auprès de votre communauté. Si votre contenu ne suscite que très peu d’interactions, il n’y a que 2 raisons possibles :

• votre contenu n’est pas assez bon, il ne fait pas réagir votre communauté par une like, un commentaire ou une autre interaction. Il ne répond pas à leurs besoins.
• votre communauté n’est pas la bonne : vos abonnés ne sont pas assez qualifiés, vous en avez peut-être beaucoup mais ce ne sont pas les bons. Si vous pensez être dans ce cas, reportez-vous au point 1 de cet article.

Comment savoir quels les contenus les intéressent ?

• en interagissant avec eux comme explicité plus haut
• en analysant les statistiques de performances de vos contenus : vous saurez les contenus qu’ils aiment (et ceux qu’ils aiment moins) en triant vos publications par interaction dans les statistiques officielles d’Instagram. Vous saurez ce qui les fait le plus réagir.
• en leur posant la question tout simplement

Veulent-ils savoir comment sont fabriquées vos créations ? Connaître vos inspirations ? Bénéficier de réductions ou des offres exclusives ? Des créations personnalisées ? Des jeux concours ? Ils peuvent vouloir tout cela et bien plus. À vous de tester et les sonder.

4. Faire de vos abonnés des ambassadeurs de votre marque

Les membres de votre communauté peuvent devenir des ambassadeurs de votre marque (et même des amis !). Il faut considérer chaque membre comme un influenceur potentiel. Il ne faut pas négliger le pouvoir de la recommandation, ce qu’il dira ou partagera de vous auprès de ses proches ou de ses propres abonnés, peut être un puissant moyen de vous faire connaître. 

Repartagez leurs avis ou commentaires positifs sur votre feed et vos stories : cela vous aidera non seulement à gagner en crédibilité mais augmentera également votre taux de conversion. Ils se sentiront également flattés que vous ayiez partagé leur avis, ils vous seront d’autant plus fidèles par la suite. 

5. Recruter de nouveaux membres de votre communauté

En parallèle de convertir un simple abonné en membre fidèle de votre communauté vous pouvez mener des campagnes de recrutement de nouveaux abonnés. Il existe de multiples façons de le faire, comme aller interagir avec des utilisateurs ciblés (vos fameux avatars), utiliser les bons hashtags, organiser des jeux concours avec des partenaires, faire de la publicité, mener des campagnes d’influence marketing… En découvrant votre compte, ces utilisateurs verront également les commentaires sur vos posts. Cela se perçoit immédiatement quand un compte Instagram à une communauté engagée et bienveillante. Et le désir d’en faire partie participera à les convaincre de cliquer sur le bouton “S’abonner”.

Voilà, en mettant en place tous ces conseils vous vous assurerez de développer votre communauté sur Instagram. Pour aller plus loin, n’hésitez à me suivre sur Instagram et rejoindre un de mes programmes de formation.

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Comme le dit la maxime, « le temps c’est de l’argent ». Pour rentabiliser votre temps vous devez être efficace et organisé. L’inorganisation pèse autant sur la qualité de votre travail que sur votre vie personnelle. Une organisation efficace mais aussi qui vous ressemble vous aidera à vous poser des limites, à accepter que vous soyez fatigué à la fin de la journée, et aussi à poser des limites aux autres. 

Bien vous organiser vous permettra aussi de mieux gérer vos nombreuses casquettes : entrepreneur(e), comptable, responsable des achats, commerciale…pour le côté pro mais aussi sur tous les impératifs de votre vie privée.
Bien s’organiser c’est un moyen…de simplifier sa vie et d’alléger sa charge mentale !

► Comment vous organiser ? 

1/ EN RÉALISANT VOTRE BUDGET TEMPS
→ Cela vous permettra de prendre conscience de tout ce que vous accomplissez dans une journée et sur une semaine. 

Comme le préconise Béatrice Carrot et Claire Mazoyer dans leur livre « Je suis débordée à la maison », « à l’image d’un budget, j’ai des recettes : les 24 heures d’une journée. Mais je ne connais pas mes dépenses.  Or, si je ne connais pas mes dépenses, je ne pourrais pas savoir où je perds mon temps ».

Il y a les dépenses fixes (travail, trajet…), et les dépenses élastiques (repas, sommeil…) et le restant étant le temps libre. C’est un exercice long mais nécessaire que d’analyser le temps passé.
Cela ne vous permettra pas de transformer tous vos temps de contraintes en temps de loisirs et de détente, mais cela vous permettra de visualiser :
• Les activités chronophages.
• Les activités que vous pouvez regrouper (par exemple les trajets).
• Les activités que vous pouvez réduire (par exemple les écrans et le téléphone).
• Les activités que vous pouvez déléguer

2/ EN FAISANT VOTRE RELEVÉ D’ACTIVITÉ
→ Vous sous-estimez très souvent le temps passé à telle ou telle activité. 

• Une activité que vous avez prévu pour durer 30mn peut durer une heure si vous ne vous mettez pas une limite.
C’est la loi de Parkinson « Le travail s’étale de façon à occuper le temps disponible pour son achèvement »
• Les interruptions (appels téléphoniques, notifications, visites impromptues, tâches ménagères etc.) font aussi augmenter la durée de vos activités.
Selon la loi de Carlson« Un travail réalisé en continu prend moins de temps et d’énergie que lorsqu’il est réalisé en plusieurs fois »

Ce relevé d’activité peut s’utiliser aussi bien dans votre vie professionnelle que dans votre vie personnelle. Il vous permettra ensuite de poser des limites.

3/ EN AYANT UN ATELIER AU SERVICE DE VOTRE CRÉATIVITÉ
Est-ce que votre atelier est au service de votre créativité ? 
Est-ce que vous avez une pièce dédiée ou bien vous squattez un peu partout en fonction du lieu qui est disponible ? 
Est-ce que vous vous sentez oppressée dans votre atelier par tout ce qu’il contient et dont vous ne vous servez plus depuis des années ? 
Est-ce que votre ordinateur est réservé pour votre activité ou bien est-ce qu’il sert à toute la famille ? 

• Avoir un lieu, dans l’idéal une pièce uniquement pour votre activité, est un moyen de gagner du temps et donc de mieux vous organiser.  Même si cela n’est qu’un coin dans la pièce principale, c’est votre coin, les enfants ne jouent pas sur votre bureau ni sur votre ordinateur. C’est à vous de mettre les limites où vous le souhaitez. Cela vous permettra aussi de mieux faire comprendre à vos enfants que vous avez « un vrai travail » même si vous l’exercez à la maison. 

• Avoir un lieu clair, désencombré, ergonomique, bien éclairé, joue aussi dans votre efficacité. Lorsque vous organisez votre atelier vous devez raisonner « avec la loi du moindre effort ». Tout ce dont vous avez besoin au quotidien doit être à portée de main sans bouger de votre chaise. Le reste doit être rangé par catégorie, et éloigné en fonction de la fréquence d’utilisation. Le rangement ne doit pas être non plus trop complexe : Pas plus de 3 actions pour prendre la boite des perles bleues. Un rangement trop complexe ne vous incitera pas à remettre en place la boite des perles après une journée de travail. 

4/ EN INSTAURANT DES HORAIRES
Est-ce que vous répondriez oui, à votre mère ou à votre meilleure amie qui vous sollicite pour aller faire une après-midi shopping si vous étiez salariée ? 
Est-ce que vous déplaceriez un RDV pro, si la maîtresse de votre loustic vous sollicitait pour une sortie, si vous étiez salariée ? 
Est-ce que vous garderiez systématiquement votre enfant lorsqu’il est malade ou bien vous partageriez avec son papa ?

• Durant vos horaires de travail, soyez claire avec votre entourage, y compris avec vos enfants, à qui, même petit, vous pouvez expliquer que votre travail est important. Vous pouvez utiliser le livre « La maman de Moka travaille à la maison » aux éditions du P’tit baluchon.

• Fixez vos horaires de travail en fonction de votre rythme biologique, du rythme de votre famille etc. Vous pouvez décider d’arrêter de travailler à 17h pour aller chercher vos loulous à l’école et de vous consacrer à eux jusqu’à ce qu’ils soient couchés puis de vous remettre au boulot pendant 1H30. C’est votre choix, fait en conscience mais assumé. Cela vous permettra de ne pas vous éparpiller et de gagner en efficacité.

5/ EN NE SURCHARGEANT PAS VOTRE PLANNING

Votre planning ne doit pas être noir de RDV et d’objectifs. Vous devriez avoir au moins 30% de temps vide dans une journée pour absorber l’imprévu. Si aucun imprévu ne se présente, chouette vous pouvez avancer sur votre projet du moment ou bien vous accorder un peu de repos. 

→ Ne vous fixez pas plus de 3 à 5 objectifs dans une journée. 

Lorsque vous fixez un RDV tenez compte des temps de déplacements et essayez de grouper vos RDV pour optimiser vos temps de trajets.   

6/ EN RITUALISANT CERTAINES TÂCHES
• Vous avez des tâches qui reviennent à intervalles réguliers, hebdomadaire ou mensuelle (la compta, la facturation, la communication, les stats les commandes de matériel, l’état des lieux des stocks…) souvent ce sont des tâches qui ne sont pas votre cœur de métier (vous êtes créatif et pas comptable 😊) qui vous ennuient profondément et sur lesquelles vous procrastinez. Alors ritualisez-les ! 

Lorsque vous faites le planning de votre semaine idéale, prévoyez des blocs compta par exemple ou Com’. Programmez ces rituels à des moments où votre énergie créative n’est pas au somment, par exemple en fin de journée ou juste avant la pause déjeuner. Vous savez que cette tâche est posée dans votre semaine, elle peut sortir de votre esprit et donc alléger votre charge mentale. Ainsi vous gardez votre énergie pour créer.

•  Vous pouvez aussi ritualiser la gestion de vos mails en ne regardant votre boite mail que 2 fois par jour à heure fixe, en la fermant, en supprimant les notifications le reste du temps. Lors de ces 2 moments, vous regardez votre boite mail, vous traitez tout ce qui prend moins de 2 mn. Si le traitement demande plus de temps, vous ajoutez cela à votre liste de tâche avec une date et un horaire de traitement.

→ N’oubliez pas que l’urgence est celle que vous vous créez. 

Etes-vous prêt.e à simplifier votre quotidien et à mieux gérer votre temps pour rentabiliser votre boutique créative ?  Oui ! Alors travaillons ensemble ! Organisons votre planning afin que vos projets avancent tout en préservant votre vie personnelle !
Pour plus d’informations, contactez-moi via le formulaire sur mon site.

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Ne vous est-il jamais arrivé de vous retrouver coincé.e entre un stand de saucisson et de l’huile d’olive ? ou au milieu de revendeurs ? d’être mal accueilli ? de ne faire aucune vente (quel stress) de vous retrouver en extérieur sans avoir prévu le matériel adéquat ? De vivre des intempéries, votre stand et vos créations qui s’envolent ? Je me souviens d’un été où j’avais pris un espace sur un marché de créateurs se déroulant un après-midi et organisé par une petite municipalité sur la côte du Morbihan. Nous étions 2 exposants ! Chaleur torride (oui c’est possible en Bretagne ) tous les estivants étaient à la plage. Nous avons eu le temps de papoter avec ma voisine exposante. Puis contre toute attente une famille est arrivée et a eu un coup de cœur pour mes créations, j’ai quand même fait une vente ! Et nous avons poursuivi les relations et elle a de nouveau craqué… Elle se reconnaîtra si elle me lit…

3 clés pour éviter les écueils

Cela pourrait être désespérant, mais on apprend de chaque expérience, rien n’est tout à fait négatif et cela construit notre développement, nos attentes.

1/ Savoir cibler vos marchés de créateurs ou salons, c’est en premier lieu définir votre activité

• Quelle dimension souhaitez-vous lui donner ? Est-ce pour vous un revenu complémentaire ou souhaitez-vous en vivre ? C’est votre activité principale ? En d’autres termes, quel est votre positionnement en terme de statut et de développement d’activité ?
• Vous êtes créateur, déclaré mais vous n’êtes pas inscrit à la CMA ? Vous avez un talent, une originalité ? Votre pratique relève du loisir créatif ? vous pratiquez votre passion en dilettante ?
• Vous êtes artisan (s’affirmer artisan induit que vous êtes inscrit à la CMA) ? vous façonnez des objets manuellement ? en série ?
• Vous êtes artisan d’art (c’est un label validé par les CMA) : vous créez des modèles, vous transformez la matière, faites preuve d’une technicité et réalisez des pièces uniques ou des petites séries ? Si cela caractérise votre activité, faites la démarche auprès de votre CMA pour obtenir la reconnaissance, elle est valorisante pour le public et les organisateurs. Certains salons ne recrutent que des artisans d’art.
• Vous êtes artiste-auteur ? vous relevez de la Maison des Artistes, de l’Agessa, et produisez un réel travail d’auteur ? Vous êtes artiste amateur ?
• Quel est votre positionnement marketing ? votre gamme de produits est luxueuse ? vous revendiquez votre label artisanat d’art ou votre qualité d’artiste ? c’est une gamme artisanale mais accessible ?

Tous ces statuts juridiques et pratiques sont estimables et respectables, mais vous définir ainsi que la qualité de votre production va vous permettre de repérer les événements dans lesquels vous vous épanouirez professionnellement et « créativement ». Concrètement vous allez choisir de participer à des marchés ou salons ciblés sur le plan qualitatif en terme de visitorat, d’organisation, de communication, qui vont être réservés aux professionnels ou ouverts aux amateurs ou encore accueillir des revendeurs.

Cet état des lieux vous permettra également de calculer vos prix de vente pour vivre de votre activité si tel est votre objectif. L’objet d’un futur article sur ce blog.

Afin de donner un éclairage objectif, la coexistence entre des personnes qui ne déclarent pas leur activité (illégal) et ne sont donc pas soumises à toutes les charges d’une activité professionnelle déclarée qui elle contraint le professionnel à l’exercice du calcul du prix de vente, et à l’acquittement de charges, induit chez le public une mauvaise compréhension de la disparité des prix et de la difficulté à vivre de l’activité artisanale ou artistique pour le professionnel.

2/ S’informer !

Comme diraient les enquêteurs, le secret c’est le renseignement ! Pas de panique, vous ne devrez pas vous transformer en agent secret ! Si vous avez un réseau professionnel vous pouvez le solliciter, ou vous informer auprès de l’organisateur. Le dossier de candidature et le règlement sont déjà une source d’informations, vous pouvez aussi poser quelques questions légitimes à l’organisateur naturellement -attention vous montrer inquisiteur pourra nuire à l’étude de votre dossier.

• Qui est l’organisateur ? Une Association, une collectivité, une entreprise ? selon la nature de l’organisation, on peut déjà avoir un pressenti, une entreprise pourrait disposer d’un budget communication plus conséquent par exemple.
• Quelle communication est mise en place ? Quelle notoriété a l’événement ? l’organisateur communique-t-il sur la stratégie mise en place, achète-t-il de l’espace publicitaire dans les médias (presse, radio…) ? Est-il présent sur les réseaux sociaux ? Met-il à disposition affiches/programmes ? Les journalistes s’intéressent-ils à l’événement sur les différentes éditions ?
• Combien d’éditions ? Participer à une 1ère édition peut présenter des risques, mais c’est aussi une belle aventure et les organisateurs font leur maximum pour réussir leur édition. Plusieurs éditions garantissent en principe une organisation rôdée et une certaine notoriété.
• Combien d’exposants ? Est-ce un événement confidentiel ? Le visiteur a-t-il de quoi assouvir sa curiosité ? Les exposants contribuent à faire venir leur réseau sur un événement.
  
• Critères de sélection ? Sont-ils annoncés ? Est-ce que votre activité y correspond ? Serez-vous bien entouré ? N’hésitez pas à regarder les sélections précédentes, pour vous faire un avis.
  
• Coût de l’espace ? cela entre-t-il dans votre budget prévisionnel ? Combien faudra-t-il que vous fassiez de ventes pour rembourser votre espace, vos frais de déplacement, d’hébergements (certaines régions y contribuent), vos matières premières avant de commencer à gagner de l’argent ?
• Fréquentation/chiffre d’affaires ? Avez-vous une notion de la fréquentation de l’événement ? Attention, beaucoup de fréquentation ne signifie pas forcément beaucoup de ventes. Les événements qui ont une entrée payante sont sélectifs, réalisent moins d’entrées mais ainsi filtrent des personnes réellement intéressées par la création qui apprécieront votre travail.
• Période de candidature ? Information capitale  vous risquez d’attendre un an !

En conclusion, il faut tester plusieurs types d’événements, faire sa propre expérience, observer, car la vérité de l’un ne sera pas nécessairement la vôtre.

3/ Soigner sa candidature

Candidature papier
La 1ère impression marque souvent. Prenez le temps de tout renseigner, transmettez de beaux visuels de votre collection en cours. Travailler avec un photographe professionnel ponctuellement est un bon investissement et peut valoriser votre travail (mise en scène, lumière, cadrage, traitement des photos).

Les organisateurs ne vous demandent pas votre CV, mais transmettez votre passion, votre parcours.

Assurez que vous réalisez le travail, expliquez synthétiquement votre technique.

N’oubliez pas de joindre votre carte de visite avec tous vos liens pros, c’est pro ! Et un petit mot sympathique sur votre motivation à participer à l’événement, c’est convivial et peut mettre dans de bonnes dispositions.

Candidatures en ligne
C’est de plus en plus répandu, soignez encore plus les visuels joints. S’il y a une zone pour motiver votre candidature, en quelques mots évoquez votre passion, votre technique pourquoi vous souhaitez participer. Et pourquoi pas un mail court ou un courrier ? (avec une signature mail professionnelle et vos liens pro).

D’ailleurs, lorsque vous envoyez un mail à un organisateur même pour une simple demande d’information, ajoutez votre signature de mail avec tous vos liens.

Soigner sa candidature, c’est aussi faire un gros travail en amont : l’organisateur, même si vous lui fournissez des visuels de votre production, va visiter vos liens internet, le public aussi. Il faut donc un contenu web bien rédigé, explicite sur votre travail et simple à trouver, bien référencé. C’est vous qui réalisez le travail de A à Z : conception, fabrication, commercialisation ? Quelle technique ? Votre parcours ?… Difficile de se passer d’un site internet aujourd’hui !

Voilà, j’espère vous avoir apporté quelques éléments pour guider votre démarche. J’ai une expérience de créatrice textile d’accessoires de mode que j’ai lancée en 2011 sous la marque Ô Coco, actuellement suspendue. Puis avec la collaboration d’une équipe au sein d’une association que nous avons créée, je me suis lancée dans l’organisation d’un événement à Vannes, le salon Rêves de créateurs qui accueille 50 exposants talentueux. La 5ème édition est en préparation.

Et il y a 3 ans pour remédier à toutes ces problématiques d’organisation que les créateurs rencontrent, j’ai commencé à travailler sur le concept d’une plateforme collaborative dédiée aux métiers d’art dans l’Ouest : crealOuest

Et il y a 3 ans pour remédier à toutes ces problématiques d’organisation que les créateurs rencontrent, j’ai commencé à travailler sur le concept d’une plateforme collaborative dédiée aux métiers d’art dans l’Ouest : crealOuest. Une version bêta a été lancée en juillet 2017, nous travaillons actuellement à la refonte. Le projet est de l’ouvrir au Grand Ouest.

Côté public, la vocation de crealOuest est :
– de mieux informer le public passionné de création des événements qui se déroulent pour augmenter leur visibilité et leur fréquentation.
– de leur faire découvrir grâce à ses galeries, les talents de la région, les boutiques de créateurs.

Côté professionnels, sa vocation est :
– d’optimiser l’organisation et de mettre en lien tous les acteurs, créateurs, organisateurs, boutiques de créateurs, le public
– de faciliter la recherche de lieux d’exposition en gérant un agenda des événements, en recensant les informations sur les contacts organisateurs, coût de l’espace, indices de fréquentation, date de candidature, en archivant les éditions passées…
– de renforcer la visibilité sur les réseaux sociaux et le référencement sur internet pour les créateurs et de mettre à disposition des outils pour faciliter l’organisation.

Je vous souhaite tout le succès possible !
Corine Gillard

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I. LES MASQUES BARRIERES AFNOR

Depuis le début de l’épidémie, les initiatives de confection de masques en tissu se sont multipliées chez les artisans créateurs et les couturier.e.s pour faire face à la pénurie de masques.

1/ Le référentiel AFNOR SPEC S76-001
Afin d’assurer une filtration d’au moins 70%, l’AFNOR a mis à disposition un référentiel de fabrication de masques à usage non sanitaire dit « masques barrières ». La première version du guide a été publiée le 27 mars 2020 sur le site de l’AFNOR et la version mise à jour en date du 28 avril 2020 est disponible au téléchargement.

2/ Un usage non sanitaire à destination des particuliers
Grâce au document émis par l’AFNOR, les artisans créateurs disposent d’indications fiables de conception de masques à destination de la population pour un usage personnel. En effet, ces « masques barrières » viennent en complément des gestes barrières de lutte contre la propagation de l’épidémie de Coronavirus, promus par Le Ministère des Solidarités et de la Santé.

Les « masques barrières » sont, donc, destiné aux particuliers en bonne santé pour un usage quotidien. En aucun cas, ils ne doivent être proposés aux personnes atteintes d’une infection virale ou bactérienne, ni aux personnes présentant des symptômes respiratoires pour lesquels le port d’un masque chirurgical est requis. Le masque barrière est, ainsi, à destination non sanitaire.

3/ La possibilité de commercialiser les masques barrières
Ce référentiel a été tout spécialement pensé pour les « néofabricants » et les particuliers. Il faut entendre par « néofabricants » les artisans créateurs, les couturiers professionnels et les fabricants non spécialisés dans la confection de masques. En visant tout particulièrement le « néofabricant », l’AFNOR reconnait explicitement la possibilité de vendre ces « masques barrières ». 

Notons que pour ceux qui souhaitent être référencés par l’AFNOR, il est possible de s’inscrire sur le site. Dans ce cas, les masques doivent soit être mis à disposition soit vendus à prix coûtant. En revanche, pour ceux qui ne souhaitent pas être référencés par l’AFNOR, les prix de vente des masques barrières sont fixés librement. A ce jour, le gouvernement n’a pas fixé de prix plafond pour cette catégorie de masques en tissu.

4/ Une commercialisation sans obligation de tests
Le guide Afnor indique d’autre part à la page 9 que « le masque barrière n’est pas soumis à une évaluation de conformité obligatoire par des organismes notifiés ou laboratoires. Sa conception selon les règles de l’art, sa fabrication et son contrôle de qualité de la production restent à la responsabilité du fabricant« . Les artisans créateurs peuvent par conséquent mettre en vente les masques barrières de leur fabrication sans réaliser de tests préalables ni obtenir de certification par un organisme tiers.

5/ La déclaration de conformité
Le guide de l’AFNOR ne définit pas d’exigences particulières d’étanchéité entre l’intérieur du masque et le visage de l’utilisateur. Cependant, il fixe des règles de performance globale du masque barrière grâce à des règles de conception, de matériaux, d’ajustement, de respirabilité…
La fabrication d’un « masque barrière », d’autant plus s’il est mis en vente par la suite, doit être respecter les spécifications du référentiel AFNOR SPEC S76-001.

Une déclaration de conformité doit être fournie par l’artisan créateur lors de la vente du masque. Cela correspondant à une déclaration sur l’honneur indiquant que le « masque barrière » a bien été réalisé selon les recommandations de l’AFNOR. Les mentions obligatoires devant figurer sur la déclaration de conformité sont énumérées en page 21 du référentiel AFNOR à la section marquage et notice d’information . Il s’agit de préciser sur un document papier, que vous joindrez à l’emballage du « masque barrière » lors de son expédition à votre client, les éléments suivants :
– la mention « masque barrière AFNOR SPEC S76-001 »
– le nom de marque
– l’indication de taille (« junior » ou « adulte »)
– les avertissements et recommandations d’usage.

Par mesure de précaution, nous vous recommandons de reporter sur vos fiches produits les mentions devant être énumérées sur la déclaration de conformité.

L’AFNOR spécifie d’autre part qu’à compter de la publication du guide et pour une durée d’un an, les « masques barrières » produits en conformité avec les recommandations de l’AFNOR, sont réputés satisfaire aux exigences d’une protection à 70%.

II. LES MASQUES LABELLISES « GRAND PUBLIC »

1/ Un usage destiné aux professionnels en contact avec le grand public
Les masques « grand public » sont des masques en tissu destinés essentiellement aux professionnels en contact avec le grand public dans l’exercice de leur activité. Lavables et réutilisables, ils répondant à des spécifications techniques prévues en annexe de la note d’information interministérielle en date du 29 mars et mise à jour le 26 avril 2020.
Notons dès à présent que cette note ne remet pas en cause le référentiel AFNOR SPEC S76-001 et la commercialisation des « masques barrières » à destination des particuliers.

2/ La note d’information interministérielle
La note d’information des ministères des Solidarités et de la Santé, de l’Economie et des Finances, du Travail, de l’Action et des Comptes Publics définit les conditions de mise sur le marché des masques « grand public » et prévoit la mise en place de deux catégories de masques :

• La catégorie 1 : elle correspond aux masques individuels à usage des professionnels en contact avec le public, dont l’efficacité de filtration est supérieure à 90%. Ces masques protègent les individus en contact régulier avec le public,
• La catégorie 2 : il s’agit des masques de protection à visée collective dont l’efficacité de filtration requise est de 70%.

3/ Une certification obligatoire préalable à la mise en vente des masques “grand public”
Les entreprises souhaitant commercialiser ces masques ont l’obligation de disposer de la certification “masque grand public” et pour ce faire devront préalablement :
• Faire réaliser des tests par des tiers compétents (laboratoires,…), déterminant les performances des masques au regard des spécifications de l’Etat. Les résultats des essais devront pouvoir être présentés aux services de contrôle,
• Apposer sur le produit ou son emballage le logo permettant d’identifier les masques « grand public »,
• Demander, via l’adresse masques.dge@finances.gouv.fr, la publication par le gouvernement des résultats de ces essais sur cette page, Indiquer les performances de filtration sur l’emballage.
• Indiquer les performances de filtration sur l’emballage.

Lors de la commercialisation de ces masques, les entreprises devront, également, mettre à disposition du public une notice avec le mode d’utilisation, le lavage et l’entretien du masque.

4/ Les modalités d’acquisition des masques « grand public »
Les professionnels qui souhaitent acheter des masques pour leurs salariés ou leurs collaborateurs peuvent notamment le faire via la plateforme créée à l’initiative du ministère de l’Economie et des Finances.


En conclusion, les artisans créateurs peuvent tout à fait commercialiser des « masques barrière » sans tests, certification ou label dans la mesure où leur fabrication répond aux spécifications du référentiel AFNOR SPEC S76-001.
Au regard des différents éléments que nous avons abordé dans cet article, il est important de garder à l’esprit la différence entre les masques labellisés « grand public » destinés principalement aux professionnels dans le cadre de leur activité professionnelle et les « masques barrière » à destination des particuliers.
Aussi si vous vendez des « masques barrières » dans votre boutique, vous ne pourrez en aucun cas utiliser la mention « masque grand public » car cette appellation est soumise à certification et nécessite l’apposition d’un logo sur ces masques en tissu. La mention adéquate est « masque barrière AFNOR SPEC S76-001 ».

Maître Lahlouh, avocate au Barreau de Paris

NB : Cet article a été rédigé le 4 mai 2020 en l’état actuel de la législation en vigueur et la communication gouvernementale.

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NOTE ADDITIONNELLE DES MARKETPLACES CREATIVES
Le 4 mai Agnès Pannier-Runacher, secrétaire d’État auprès du ministre de l’Économie et des Finances, a fait une communication publique confirmant l’analyse de Maître Lahlouh des textes officiels relatifs aux « masques barrières » :

🔴 Mise au point : les couturiers professionnels peuvent fabriquer et vendre leurs masques librement. L’@AFNOR met à leur disposition ses spécifications et recommande des textiles pour fabriquer des masques assurant une filtration d’au moins 70%. Pas de test obligatoire.

— Agnès Pannier-Runacher (@AgnesRunacher) May 4, 2020

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BLOG | Les artisans créateurs ont-ils le droit de vendre des masques en tissu ? – Alors que la date du déconfinement approche, de plus en plus d’informations circulent sur les réseaux sociaux, concernant la fabrication et la vente des masques en tissu. Certaines publications ont donné lieu à une lecture erronée de la note d’information du 29 mars 2020 des ministères de la santé, de l’économie et des finances, et du travail. – Dans ce contexte, @cabinet.lahlouh.avocat vous propose un point juridique sur la vente de masques en tissu sur le territoire national. Vous disposerez, ainsi, d’informations légales à jour afin de comprendre la différence entre les masques labellisés « grand public » destinés essentiellement aux professionnels en contact avec le grand public, et les « masques barrière » à destination des particuliers. – Tandis que la production de masques « grand public  » est soumise à certification, les artisans créateurs peuvent tout à fait fabriquer et commercialiser des « masques barrière » sans tests, certification ou label en s’appuyant sur les recommandations du référentiel AFNOR SPEC S76-001. – 👉 Le lien de l’article est en bio. – Les informations erronées, qui ont circulé sur les réseaux sociaux, concernant une interdiction totale pour les créateurs de vendre des masques en tissu, ont eu la regrettable conséquence de conduire des centaines de créatrices de retirer tous leurs masques de la vente en l’espace de 48h et de semer le trouble auprès des clients du fait main. – ❤️ Taggez vos amies couturières sous ce post et partagez l’article en bio afin qu’un maximum de personnes puisse prendre connaissance des véritables informations au sujet des « masques barrières » pour les particuliers. – #masquebarriere #masquesbarrière #masqueafnor #masquegrandpublic #couture #artisanat #creatricefrancaise #afnor

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I/ DES DÉBUTS TIMIDES

Je suis une créative, je crée des vêtements pour enfants, mais rapidement j’ai compris que j’allais avoir bien du mal à continuer de travailler normalement pour mon entreprise, d’une part parce que tous mes points de ventes ont dû fermer, que toutes les expositions prévues ont été annulées, et d’autre part parce qu’avec deux enfants à la maison et des cours de niveaux différents à faire, je n’ai finalement pas autant de temps que je le pensais, et enfin je dois bien le dire c’est un peu compliqué pour moi de rester sur mon nuage créatif en cette période.  

La première semaine fût presque la plus déprimante, car je n’arrivais pas à m’organiser pour finir les cours dans la journée qu’arrivaient déjà ceux de la journée suivante, alors que j’y avais passé un temps fou. Finalement nous avons trouvé l’équilibre et dès la deuxième semaine, nous avions nos repères : le matin cours pour tout le monde, l’après-midi activités libres, jeux, découverte pour les enfants et travail pour maman et papa.

Alors que nous venons tout juste d’être mis en confinement, la France découvre que ses soignants n’ont pas assez de masques. On voit ici et là des articles de journaux circuler sur la toile concernant cette pénurie. 

On pense aussi à toutes les personnes qui doivent continuer de travailler, de s’exposer à ce virus, afin que nous – qui sommes comme pris en otage chez nous – puissions continuer de vivre, de faire nos courses, bref d’avoir un semblant de vie. 

Après les premiers débats sur la maladie – est-ce une pandémie ou une simple grippe ? Et toutes les questions qui s’en suivent – on voit un autre débat s’installer dans les groupes de couturières à  propos des masques, de leur utilité ou plutôt de leur inutilité, de la façon de les faire. Très rapidement, le CHU de Grenoble fait circuler un patron de masque, et des instructions pour en fabriquer. Certains disent qu’il faut les coudre dans du coton, d’autres disent uniquement du polyester. Je n’ai quasiment pas de Polyester. Alors j’hésite, car s’il y a bien une chose dont on n’a pas besoin en ce moment ce sont des efforts vains, des masques qui ne conviendraient pas … je tâtonne, je me sens inutile dans ce grand marasme général. Je ne panique pas, j’aimerais juste aider, en faisant du mieux possible. Je crois que dans ces moments, le cœur prime sur tout le reste. 

Alors ces masques ? Oui il y a pénurie. Oui, les masques en tissus ont leurs limites, et ne remplacent pas les masques FFP2. Mais ils nous permettent de ne pas le transmettre le virus et dans une certaine mesure nous protège. D’où leur nom de « masques barrières ».

Il y a une façon de les mettre, de les utiliser, et surtout de les retirer et de les laver. C’est extrêmement important de respecter les règles d’utilisation, mais cela ne garantit en rien une protection totale, c’est primordial d’en être conscient.

Une amie créatrice, ancienne journaliste, fait passer un mot sur son profil Facebook : le personnel hospitalier fait un appel aux dons de masques jetables. Elle a pris contact avec le CHU de Clermont-Ferrand. Elle leur porte ce vendredi 20 mars, environ 80 masques qu’elle a dans son atelier. Je lui demande si le CHU serait intéressé par ces fameux masques en tissus. Elle me répond « essayons ». Alors je me lance, je trouve du polyester, et je fais 2 masques : 1 tout coton, 1 tout polyester. Elle passe les récupérer sur mon portail. Pas de contact entre nous bien sûr. Je n’ai pas eu de réponses du CHU, j’en ai déduit que les masques ne pouvaient leur convenir, ou qu’ils en avaient enfin reçu. 

II/ ASSOCIATION DE COUTURIÈRES

Entre temps, l’association musicale dont fait partie Alice, ma fille aînée, envoie un mail pour prendre des nouvelles des uns et des autres. Je réponds que nous allons bien, et que je fais des essais de masques. Et alors un grand élan de solidarité se met en route : les couturières amatrices qui sont dans l’association me contactent pour me demander « Et nous ? Que pouvons-nous faire ? As-tu un modèle ? Quels tissus puis-je utiliser ? ». En somme, toutes les questions que je me suis posées, et j’avais quelques réponses.

Nous nous sommes organisées. Nous avons contacté les commerçants autour de chez nous. Certains n’avaient pas de masques. Nous nous sommes répartis le travail. Il fallait 51 masques pour le supermarché, 270 masques pour les aides à domicile, 4 par ici, 8 par-là, sur le modèle fourni par le CHU de Grenoble. 

Le plus compliqué est de trouver de l’élastique, car bien sûr personne n’a pu anticiper cette situation de confinement, nous n’avions pas fait de stock, et tous les magasins sont fermés. De plus quand on commande, il faut parfois 10 jours pour recevoir enfin l’élastique.

On s’organise donc pour en trouver : un appel à la propriétaire de la boutique de vêtements et mercerie du village. Peut-elle nous avoir de l’élastique ? Un appel à la tapissière décoratrice du village. Veut-elle nous aider ? La mairie peut-elle mettre une annonce sur le site afin de récupérer des élastiques qui traineraient dans les tiroirs de nos voisins ? Tout le monde a joué le jeu en répondant présent ! 

Des livraisons de masques jetables ont lieu à la superette que nous avons fournis et pour les aides-soignantes de la part de la Région, nous avons donc récupéré nos masques afin de les distribuer à d’autres après les avoir lavés bien entendu.

L’hygiène est d’une importance capitale, car le but est d’aider et non de propager la maladie. Désinfection des machines à coudre, de la table de coupe, des ciseaux, lavage de nos mains, de nos masques une fois finis, sont de rigueur. Et pour plus de sécurité, nous avons aussi demandé aux personnes qui recevaient les masques de les laver à leur tour avant utilisation. 

III/ LE GRAND DÉBAT

Le 24 mars, une amie me fait parvenir un article du journal La Montagne. Une entreprise dans l’Allier se propose de fournir tout le matériel afin de coudre une cinquantaine de masques. Ils ont la matière première mais pas assez de petites mains pour coudre. Je me suis inscrite dès l’ouverture de leur serveur jesoutiensmaregion.com . Puis j’ai transmis l’information sur tous les groupes de couturières que je fréquente. Beaucoup de couturières se sont inscrites, à tel point qu’il y avait la première semaine 1800 colis en attente. [A ce jour je n’ai pas encore reçu mon colis, j’espère toujours qu’il arrivera, mais d’autres amies couturières qui sont inscrites après moi ont déjà reçu le leur.]

Et voilà qu’un nouveau débat enflamme les groupes Facebook de couturières : après avoir annoncé que l’entreprise offrait la matière première, elle a indiqué sur le site qu’une partie des masques serait offerte aux personnels soignants et le reste vendu à prix coûtant. Après leur utilité, après la façon de les faire, peut-on les commercialiser ?

C’est à chacun de faire selon son cœur et ses moyens. On ne peut pas juger. Chaque situation est différente et surtout on ne peut pas imposer à toutes les couturières de fabriquer bénévolement des masques en tissus en quantité et sur la durée. Certaines couturières ont choisi de coudre gratuitement tous leurs masques. D’autres offrent des masques au personnel soignant et en vendent aux particuliers. Et d’autres commercialisent tous les masques en tissu qu’elles produisent. Dans chaque de ces trois situations, le choix de la couturière est légitime.

Jeudi 2 avril lors d’une émission spéciale sur TF1, le premier ministre a abordé le sujet de « l’après » ou déconfinement. Il parait désormais évident qu’on va nous demander de porter des masques pour éviter une seconde vague épidémique d’ampleur. Nous sommes 67 millions. Même si des usines comme Michelin se sont mises à fabriquer des masques en masse – environ 400 000 par semaine – cela va prendre du temps de pouvoir équiper tout le monde. D’autant que, rappelons-le un masque c’est 4 heures d’utilisation maximale. Donc 1 personne qui travaille a besoin de 3 masques par jour (je compte les temps de pause, trajet etc). Rappelons aussi que les infirmières et autres personnels soignants n’ont que 2 masques par jour fournis. A cela s’ajoute une autre question, celle de l’écologie. Les masques jetables sont-ils biodégrables ? C’est un autre débat mais il n’est pas moins important.

Maintenant que les commerçants de mon secteur semblent tous équipés, par mes copines couturières et moi-même ou par leur direction respective, j’ai envie de continuer d’aider. Mes moyens sont limités, et après avoir offert une centaine de masques pour les professionnels, j’aimerais proposer de confectionner des masques pour les particuliers. J’ai longuement hésité car sur les groupes de couturières ou de créatives que je fréquente, la question s’est posée plus d’une fois, et les critiques ont été virulentes envers celles qui vendaient les masques. Tout d’abord peut-on faire commerce de masque ? Une amie couturière, professionnelle également, me fit remarquer que tout travail mérite salaire. Tout simplement. Les usines qui en fabriquent les vendent, les pharmacies en vendent. On nous vend également le gel hydroalcoolique. Rien ne nous est offert. Donc pourquoi ne serait-il pas possible de vendre un masque en tant que couturière professionnelle ? Pourquoi la petite entreprise qui – il faut le dire – a bien du mal à survivre en ce moment du fait du confinement et de la fermeture des boutiques et autres marchés/expo ne pourrait pas se générer un minimum de revenus par la fabrication de ces masques en tissus et devrait les donner ? Ne serait-ce pas là justement faire appel à la solidarité dans les deux sens ?  Une sorte de gagnant-gagnant. On fournit des masques alternatifs aux particuliers qui en ont fortement besoin du fait de la pénurie et en contrepartie on est rémunéré pour notre travail de couturière.
Après cette première question, vient celle du prix. Quel prix pratiquer ? Bien sûr quand on voit un masque en tissu à 40€, on peut se dire que ce prix n’est pas très raisonnable, surtout qu’il faut au moins 2 masques par personne afin de pouvoir en laver un quand on porte l’autre (si on travaille, si on est en confinement un masque suffit). Qu’en est-il du masque à 2€. Et bien là c’est le souci inverse. Comment une couturière peut-elle se payer en faisant un tarif si bas ? 

Des mairies sont à la recherche de couturières pour produire des masques. Certaines se plaignent du coût d’un masque qu’elles voudraient à 2€, voire moins, alors qu’une couturière leur propose à 4 ou 5€. Soyons clairs, à 4 ou 5€ une couturière ne fait pas de bénéfice sur un masque en tissus.

Chacun est libre de fixer ses prix. Ce qui me semble le plus juste c’est que chacun participe à l’effort de guerre, les uns en baissant leur marge, les autres en acceptant que tout n’est pas un dû, et qu’un masque en tissus, réutilisable, ne peut pas être au prix d’un masque en papier jetable.

IV / COMMENT RÉALISER VOTRE MASQUE EN TISSU

1/ Le modèle AFNOR
L’AFNOR a publié un PDF de 36 pages sur la fabrication d’un masque en tissu selon des normes précises. 
Ce PDF répond à de nombreuses questions que se posaient les couturières.
J’ai réalisé le masque à plis proposé, et je dois avouer que j’ai une préférence pour le tuto du CHU de Grenoble surtout pour les enfants. J’ai pu noter quelques différences. Mais, il faut d’abord que rappeler que l’AFNOR a indiqué ce document est un premier jet et qu’ils continuent à faire des tests pour améliorer le modèle.
En effet dans le document l’AFNOR ne précise pas combien de couches de tissus doit comporter le masque. Il est dit « monocouche » ou « composite multicouches » quand le modèle du CHU Grenoble demandait 2 couches de tissus plus une couche de molleton intermédiaire. Ensuite, ce masque une fois mis « baille » au niveau du nez, et aux oreilles. Il n’est proposé que dans une taille, contrairement au CHU Grenoble qui propose 4 tailles (hommes, femmes/ado, enfants 7-12 ans, enfant 3-6 ans).

2/ Le modèle du CHU de Grenoble
Vous pouvez télécharger leur tutoriel de masques en tissu ici.
Le tutoriel est très fonctionnel. Son seul inconvénient est la couture verticale sur le nez et la bouche. Son gros avantage est qu’il tient beaucoup mieux sur le visage des enfants. Il a aussi l’avantage d’être proposé en 4 tailles.

3/ Les attaches
J’avais des a priori sur les liens en tissus, et après essais, je dois dire que le masque tient bien en place, et surtout cela permet de le laver à 60° comme cela est préconisé. Par contre, je vous déconseille d’utiliser le biais pour des masques enfants, ils ne sauront pas faire les nœuds d’attaches à l’arrière de leur tête tout seul. 
Enfin l’utilisation d’élastique trop épais rend le port du masque derrière les oreilles douloureux et inconfortable. Il faut penser que vous devez le garder 4 h d’affilées si vous travaillez. 
L’autre avantage du biais c’est qu’il permet de poursuivre la fabrication de masques en tissus malgré la pénurie d’élastique. En effet, depuis le 6 avril, sur de nombreux sites de fournitures il est devenu impossible d’acheter de l’élastique. Les usines qui le fabriquent ont été réquisitionnées par l’Etat.

Voilà ce qu’il en est de mon expérience face à la pénurie de masques. Il existe tant d’autres personnes et tant d’autres témoignages. Chacun vit cela à sa façon et donne selon ses possibilités.  

Je voudrais partager avec vous le message d’une de mes camarades couturières, je pense qu’il s’adresse à nous toutes couturières, du dimanche, amatrices confirmées ou professionnelles. Ce message m’a redonné du courage car parfois mes doutes m’ont assailli, j’espère qu’il vous donnera du courage à toutes. Je suis fière d’être couturière, je suis fière de nous toutes.

« Je ne suis qu’une petite couturière du dimanche. Je n’ai fait qu’une vingtaine de masques pour vous aider. Je viens d’en faire pour mon entourage mais comme tout le monde je n’ai plus d’élastique. Je ne vous connais pas pour la plupart mais, moi, je suis en admiration pour tout ce que vous faites. Pour votre gentillesse, votre dévouement, votre sérieux. Certes Il y’ a des soucis d’élastique, de forme etc.… mais je crois qu’il n’y a pas de réponse précise.
Vous pouvez être fières de vous, vous méritez aussi un applaudissement. »

© photos masques : Gwen Belaubre

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